緒論：寫作既是個人情感的抒發，也是對學術真理的探索，歡迎閱讀由發表云整理的11篇西方藝術論文范文，希望它們能為您的寫作提供參考和啟發。

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19世紀后期，繪畫界對現代藝術激進的探索推動了現代設計的革命。在美術界對構成產生明確認識，是從19世紀的后期印象派塞尚開始的。塞尚的繪畫構圖及其方法論，與立體造型的構成是相通的。其后塞尚對構成的認識又影響了特朗、馬蒂斯、烏魯克等，使他們建立了“野獸派”。繼而又建立起了“未來主義”藝術?！拔磥碇髁x”又發展為革命的“達達主義”。其表現貫穿著幾何的、抽象形態的意識觀念。受構成主義、未來主義、立體主義等藝術流派影響，新時代的設計師開始挑戰傳統藝術形式，開拓了符合新的、工業化時代的的現代設計藝術風格。立體主義是最早地把時間-空間概念轉化為視覺形象的藝術派別。它利用相對性原理和同時性原理，把不同時刻觀察到的對象同時地表現出來，在畫面中表現出更純粹的幾何形態。受此影響，設計師里特維爾特設計的“紅藍椅子”和“施羅德”住宅，把蒙德里安的二維構成延伸到三維空間，成為“風格派”設計的最著名的代表作品之一，是現代主義設計在形式探索上一個非常重要的里程碑。對工業化生產方式的強化對秩序的重要性，設計通過簡化體現出秩序感，傳統做法被設計師所淘汰?，F代設計受到柯布西耶簡潔主義所影響，把抽象的幾何構成形式看作設計終極原則，反對過度的裝飾，注重體現基本形態和強化功能，使理性主義成為設計風格的先鋒。

（二）新的藝術和設計形式通過現代藝術和現代設計相互影響而產生

構成主義、超現實主義和表現主義是交替轉換并和其他派別相互影響的設計風格和現代藝術。其中體現了形式、語言的開拓精神和豐富多彩，并賦予時空新的概念。波普藝術以有秩序變化的圖像重復、視錯覺所形成視覺的動感和錯覺的一種表現形式，波普藝術后來發展成為動感藝術加上光、影、聲、形成一種全方位空間的綜合藝術表現形式，波普藝術是依賴于視網膜影像錯覺引發心理現象的一種媒體設計。在1960年代，裝置藝術吸收了繪畫、設計等因素和語言形式和生活垃圾等，創建一個新的領域概念，并對視覺設計產生了很大的影響。同時，藝術設計與商業文化對于繪畫藝術也產生了嚴重的影響，如波普藝術的開山之作——漢密爾頓的《是什么使今天的家庭如此不同又如此吸引人》采用招貼印刷材料、照片、畫報所組成了一種全新的藝術形式。而發端于70年代的后現代主義，則是對國際主義風格的反叛，以尋求更有活力的、多元的文化。通過借助過去的維多利亞、新藝術與裝飾藝術風格，激發了許多設計師的懷舊思潮，將老的藝術形式進行現代化的運用，使產品具有濃厚的藝術創造意味，拓展了設計的理念和語匯。

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現在我國成立了很多音樂教育機構，民族聲樂藝術被廣泛的傳播，傳統的民族聲樂與西方聲樂藝術融合達到了更高的高度，中外的聲樂藝術交流更加頻繁。民族聲樂教育機構的教育模式、教育理念以及教育學形式都是借鑒了西方的聲樂教育，西方的聲樂藝術比我國發展的要早，因為中西方思想觀念的差異，西方音樂很是灑脫、自由，這也是我國聲樂藝術所需要借鑒的地方。西洋聲樂的演唱的方式相比于國內也更加系統化，因為我國民族聲樂一直處在民間口口相傳的階段，沒有太過系統的歸納總結。現在很多民族聲樂演唱家唱歌的方式，口腔震動、氣息的改變和藝術的表達等很多都是借鑒了西方的演唱方式。

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二、西方油畫造型中虛實表現

繪畫之虛與實是相對而言的，它們是既對立又統一，有著相互依存的關系。影響虛實表現的因素有很多，光線的強弱、距離的遠近、空氣透明度的強弱等，是影響物象成像清晰與否的主要因素。油畫造型中的虛實表現也有不同的個性語言。

（一）色彩鮮灰體現虛實色彩的鮮艷與灰的調和與對比在體現畫面的虛實效果方面起著重要的作用。色彩的鮮艷與灰的對比最常見的就是背景虛反襯主體實。梵高的《向日葵》，形色雖不如真實世界但是所體現的審美意味和情感色彩卻是現實中向日葵所無法表現和展示出來的。畫面背景只是簡單的兩個色調，襯托出畫面中處于正中間的向日葵，向日葵色彩鮮艷使背景自然而然地退在后面呈現“虛”的勢態，這才誕世了獨一無二的向日葵。由此可見，藝術作品鮮艷與灰的虛實關系，相互包容、相互滲透，從而構成深遠的意境，和獨特的藝術表現手法及審美情趣。

（二）變化肌理體現虛實肌理變化的代表人物就是倫勃朗。倫勃朗似乎更在意光線下物體表面所形成的反射而帶來的強烈質感。他對這一感受的重視使得他畫面中的肌理不像委拉斯貴茲畫面中的肌理那樣隱約躲藏，而是直接被置出來，畫面上所有的厚薄對比，色彩鋪陳和筆觸似乎都是圍繞著這一肌理的顯現關系來緊密配合。在他早期的自畫像中，可以看到他刻畫的肖像臉部明顯的肌理痕跡。這樣類似皮膚紋理的半浮雕肌理相比較于真實的皮膚質感顯得更加厚重，筆觸隨著臉部肌肉和皮膚紋理的走向而有序地安排。強烈的明暗對比下，暗部色調深重，質感卻均勻平緩，沒有亮部般的凸起，使畫面的肌理富于變化和節奏，虛實協調而巧妙。筆下人物的每一個細節始終都是統一于整體的畫面關系中，亮部凸起的肌理與暗部截然不同的質感加強了畫面的虛實對比效果，也恰當地契合了人們對光線的自然認知度。

（三）邊緣線處理體現虛實在很多畫家的作品中，畫面對象的虛實處理運用跳動的筆觸，形成不確定的輪廓線，使物體對象與背景相融合相呼應的虛實效果。邊緣線的虛實兼備特點當屬杰出畫家倫勃朗的人物畫作品，較多的采用黑褐色或棕色為背景，將光線概括為一束電筒光似的集中線，著重在人物的頭部，沿著頭部結構的起伏轉折，邊緣線逐漸從實過渡到虛，又從虛過渡到實。他夸張得運用輪廓的虛實對比，巧妙處理人物與背景的前后空間關系，使人物頭部在統一暗部背景下凸顯出來，留下更豐富的刻畫余地，朦朧、含蓄、細膩的邊緣線變化讓整個畫面松緊有度，散發著特殊的藝術語言。不同于倫勃朗的用光，卡拉瓦喬采用側光，運用明暗對照畫法，亮部不局限于人物的頭部，進而夸大暗部與亮部的明度對比來強化光感，邊緣線也就隨著受光程度的不同而虛虛實實。獨到地運用明暗，靈活地處理畫面中的明暗光線，用光線強化畫中的主要部分，也讓暗部去弱化和消融次要因素，結合色彩和用筆力度，通過虛實對比巧妙處理畫面的空間關系，使作品更富有情節性。西方傳統繪畫自文藝復興之后形成的高度成熟的視覺形式，對于虛實的關注更側重于視覺上的虛實效果，如前景實后景虛，主要物象實次要物象虛，受光部實背光部較虛的對比來形成虛實的變化等等。西方繪畫在側重如此表達的同時，將這種主觀的心理表述轉到受客觀物象限制之下的能動積極的創造中了。

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二、依字行腔的旋律特點

中國的語言講究"字正腔圓"，并結合漢字和聲調一直是中國的傳統歌曲創作,所以中國藝術歌曲創作只能更好的感染觀眾符合這樣的要求。陸在易高度重視詩的水平和斜音調和節奏關系的基本方向。因此,在他的藝術歌曲,詩歌是音樂給生活,高貴的氣質,飄逸的旋律將全面解讀詩歌給觀眾。這樣的旋律特征在陸在易藝術歌曲隨處可見,如“橋”的旋律和歌詞從閱讀的角度我們讀到“水”和“橋梁”,“水”和“小”應低于后面的“家”和“橋梁”,和陸在易藝術歌曲中旋律的走向正是這樣以上純四度、上小三度進行的。見譜例一：在陸在易的藝術歌曲,旋律和歌詞音調起伏變化。他寫的旋律,根據一個固定的語言習慣和情感表達的需要,把旋律是延長或縮短,節奏或收緊,前后間隔的形成等影響,詩歌節奏的語調和節奏閱讀停頓,完美的組合。如“我愛這片土地,”詩歌節奏和旋律的節奏完全一致,甚至可以直接歌詞,“如果/我是一只鳥,我應該用嘶啞的喉嚨/歌唱,它受到暴風雨/土地”。心情完全需要長強調“我”,“應該”,“唱”,等等,節奏將使用虛線反復無常,一半注意呼應,當唱歌所以一定要保持這些長時間,不僅是技術要求也完美的情感表達。因此,在劉陸在易的藝術歌曲,旋律和語言緊密結合,讓它引人注目的歌手,非常自然見譜。

三、西洋歌劇宣敘調寫作手法的合理運用

宣敘調,叫宣敘調,語言基于的語氣唱曲調。一般概念,敘述的是歌劇演唱的一部分,節奏大多是免費的。在歌劇、清唱劇大型聲音樂,吟誦的人物之間的對話通常是采用。劉在他的藝術歌曲創作陸在易吟誦的這種西方歌劇創作技巧,寫味道的念白旋律,增強了敘事歌曲,富有層次感的音樂語言,然后更拉近你與聽眾的距離。歌曲《盼》中宣敘調的運用，可以說是陸在易先生早在藝術歌曲創作借鑒西方歌劇敘述的寫作技巧,旋律正在改變重復技術結合應用下臺,將英雄生動地顯示在急切地感恩,藝術張力和吸引力。歌詞是：“回來吧，曾給我活力的身影，回來吧，曾給我生機的顏色?！币娮V。

篇（5）

地方戲是一個綜合體，是一項復雜的系統工程，它包括地域文化精神、地域美學原則、地域審美習慣、地域風情、地域習俗、地域人物、地域語言等等。

如越劇，現在是浙江、江蘇、福建、上海地方戲曲劇種。但它最初是在浙江嵊縣一帶發展形成的，后逐漸流入桐廬、富陽、海寧、杭州等地，所以帶有明顯的浙江地域特色。1916年才進入上海，但仍保留浙江的地域風味，同時吸收浙江紹劇的唱腔和京劇的舞蹈，時稱“紹興文戲”，浙江昧兒的鮮明強烈一直延續至今。其他如流行于浙江紹興、寧波、杭州一帶的紹劇，流行于余姚、慈溪、上虞、紹興一帶的姚劇，流行于杭州一帶的杭劇，流行于金華、麗水一帶的婺劇等等，也都不僅帶有總體的浙江特色，而且更帶有各自流行地的地域特色，可謂“大地域”中還有“小地域”，是藝術世界里的“國中之國”。

再如黑龍江的龍江劇、吉林省的吉劇，廣東的粵劇，四川的川劇，安徽的黃梅戲，湖南的湘劇，廣西的桂劇，云南的滇劇，海南的瓊劇，貴州的黔劇等等，也分別帶有各自的地域性特征。

由此可知，地方性是地方戲曲的根和神，而且也是整個中國戲曲的根和神。所有的戲曲劇種，無一不帶有明顯的地方性特征，即使像今天在全國流行的大劇種京劇，最早也是在徽調(安徽地方戲曲劇種）、漢調(湖北地方戲曲劇種）的基礎上，吸收北京的語言特點以及秦腔（陜西地方戲曲劇種）的精華而逐漸形成發展的。

二、民間性

中國所有的戲曲，均“興于民間，毀于廟堂”。地方戲更是如此，每一種地方戲劇種，都具有鮮明的民間性本體審美特征。

例如越劇，是在民謠、山歌與民間秧歌的基礎上發展起來的；姚劇，是在民間歌舞的基礎上發展起來的；睦劇，是江西、安徽傳入浙江的民間小戲--采茶戲與浙江的民問歌舞“竹馬班”結合而成的；吉劇和龍江劇，也是在東北民間藝術——二人轉的基礎上發展而成的。

地方戲的民間性審美特征，派生出地方戲的其他許多審美特征：

一是小型性。地方戲素有“地方小戲”之稱，與京、昆、評大戲相對應?！暗胤叫颉弊钔怀龅臉酥臼撬小叭?小生、小旦、小丑）”或“兩小戲(小生、小旦）”之稱，即演出小人物的故事。即使是宮廷戲，也平民化、民間化，演繹成尋常百姓的家常里短、兒女情長。盡管各劇種的地域特色不同，但有一個共同性特點：把帝王將相平民化、生活化、民間化，夫妻情、父子情、君臣情、父女情，全都與平民百姓毫無二致。這種“大戲化小，小戲化巧”的特征，普遍存在于各地方戲曲之中。

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中圖分類號：J05 文獻標識碼：A 文章編號：1005-5312（2014）08-0073-01

藝術和文學的關系一直是西方文論史上的一個主題。在西方文論中“詩”的含義近似于中國文論中“狹義”的文學的涵義，而“詩”或“文學”又是藝術的一個門類。在神話的源頭，“藝術”和“文學”是同一的。本文將通過對西方文論中藝術的形態分類進行梳理，來理清藝術和文學的關系。

一、“藝術”概念的歷史變遷

“藝術”這個概念原來在古希臘是非常寬泛的，最初藝術和文學是同一的。在早期的神話中只講到詩人們通常乞援的唯一一位繆斯：《伊利亞特》的起首“歌唱吧，女神！歌唱裴琉斯之子阿基琉斯的憤怒”。這位女神在古代地府神教中不僅是藝術創作的化身，而且體現著所有一般深入到存在的深邃奧秘之中的認識活動。亞里士多德見解的涵義就在于：“因此，如前所述，藝術是遵從真正理性的創作習慣?！?/p>

在希臘時代，“繆斯”藝術遠未包括藝術的所有樣式，其中既沒有繪畫也沒有雕刻和建筑的席位。在那個時代已經是科學知識形式、而不是藝術創作形式的歷史和天文學也包括在這類藝術中。人的活動形式的分類由腦力勞動和體力勞動、精神活動和物質實踐之間開始出現的差別而產生。但這種分工沒有硬性規定。以前的手工藝、技術都被稱為藝術，如雕塑、耕地、炒菜。但人們對藝術世界的疆界，繆斯藝術和應用藝術的同源關系認識愈來愈明確，對繆斯藝術同科學的區別和應用藝術同手工技藝的區別的認識也愈益清楚。藝術的結合和它們同手工技藝的分離更加顯著。柏拉圖將它們對立起來，因為手工技藝是對理式的和物體的神的原型的“模仿”而摹仿性的藝術則是對摹仿的摹仿。亞里士多德那里“藝術”這個術語本身具有極其寬泛的涵義，但他使用較狹窄的涵義，即審美涵義，他在藝術的范圍內使諸如音樂和雕刻或者是建筑師和音樂家的活動接近起來。亞里士多德系統對比了各種繆斯藝術，如詩和音樂。

到中世紀的時候。藝術被分為兩類，一類是手工勞動的藝術即機械化藝術，藝人地位低。一類是動心智的藝術即自由的藝術。文藝復興時期，社會風氣出現了變更，開始把人世的快樂當做最重要的事。尤其是宗教改革后，發家致富不再是罪惡而成為侍奉上帝的表現。經濟上富足的畫家、雕塑家們不再甘心他們低下的社會地位認為他們從事的不是機械藝術也是自由藝術。為了擠進自由藝術的范圍，他們重新想辦法給建筑、雕塑等命名，最初被稱為“七種藝術”。最后人們接受十八世紀巴多提出的“美的藝術”這個概念。由此我們可以看出，“藝術”這個概念最初是由建筑、雕刻、繪畫等湊合在一起的。起源是這些藝術家們為了把自己的社會地位提升到和其他知識分子平等的地位才把這些藝術放在一起的，而不是發現這些藝術有共同的特征，但這并不意味著藝術一定是美的。

二、“藝術”與“文學”的關系

文學是一門語言藝術，但“語言藝術”是比文學術語包含更廣泛的一組藝術現象的概念。它表示通過語言實現的一切藝術創作形式。它分為口頭文學和書面文學。在口頭文學的范圍內，藝術作品不脫離于藝術演誦，而書面文學則分解了“第一性”創作和“第二性”創作的這種歷史上原初的統一，導致了兩類新型的語言藝術家的出現：一種獲得作家的稱號，另一種獲得朗誦演員的稱號。這兩種語言藝術樣式之間的區別，歸根到它們作為社會交際工具的作用中。口頭的文學是以情緒、精神狀態、感情趨向和思想趨向的一致性聯合人們團結人們。但有聲語言只能作用于給定時間和給定地位能夠集合在一起的有限聽眾。書面文學較之口頭文學在無可比擬地大的程度上訴諸作為個性的人，要求他的所有的個性性質，而不僅僅是他的意識中把他變成某種社會集體的一部分的那些方面參與到知覺中來。書面文學的發展和它對口頭文學的排斥，不僅僅是與這些外在的狀況相聯系：如文字的發明，書籍的出版，文化的傳播，而且與這些深刻的社會過程相聯系，在越來越廣泛的文學藝術價值消費者的范圍內個性性質的形成和發展。

三、藝術品和非藝術品德界限

篇（7）

一、從“色彩偏見”到“色彩解放”

――色彩演變的文化內涵

在上千年的西方藝術中，人們對色彩的認知經歷了從“偏見”到“解放”、從“客觀描繪”到“主觀表現”的文化演變。這種演變恰恰體現了西方藝術史由“再現”向“表現”、由“傳統”向“現代”的跨越，具有時代性的文化意蘊。

西方傳統文化藝術的發展源于公元前6世紀的古希臘時期，并在16世紀的文藝復興運動中達到了輝煌。從古希臘哲學家亞里士多德的“模仿說”到文藝復興奇才達?芬奇的“鏡子說”；從關注解剖學的研究到對透視學、明暗學的掌握，皆有力地推動了西方寫實藝術的發展，體現了追求真實與和諧的藝術審美準則。

西方傳統藝術在面對色彩問題上也形成了獨特的色彩法則，而這種色彩法則無疑是帶有一定偏見性的。一方面，人們認為在繪畫中素描永遠是第一位的，色彩只是素描的一種補充。另一方面，色彩的選擇應以表現事物的自然屬性為準。在以“客觀地再現自然”為宗旨的傳統審美準則中，色彩是否自然逼真無疑是評價藝術作品優秀或粗制濫造的永恒標準。

西方傳統藝術大師在色彩的運用和選擇上，也時常體現出這一傾向。文藝復興的達?芬奇、丟勒、曼坦納等人的藝術都以素描為主，色彩僅處于輔助和從屬的地位。米開朗琪羅在面對雕刻和繪畫藝術時，曾說“雕刻是繪畫的指導，前者是太陽，后者是月亮”。可見，他更偏愛線條而輕視色彩。19世紀法國古典主義大師安格爾認為色彩應服從于古典，并稱“素描才是藝術的真諦”。德國古典美學家伊曼紐爾?康德在1790年出版的《判斷力批判》中也對色彩做出了評價：“色彩自身決不能使畫更美。”這些都似乎向色彩下達了最后的判決書，“色彩這個結構的仆人，構圖的隨從，從此只能待在廚房里了”。①當然，，在西方傳統藝術中，還有眾多的色彩大師，如波提切利、提香、維米爾、庚斯勃羅等在色彩革新的道路上勤奮探索。

西方藝術史上對色彩的解放完成于古典藝術向現代藝術轉換的時期。當時的先鋒派藝術家以自己的理論和實踐逐漸改變著人們對色彩的認識。浪漫派大師德拉克洛瓦提出，畫家應“放棄一切現有的色彩”；印象派畫家讓我們體味到了大自然的純色組合；塞尚潛心研究、探索出“色彩造型”的方法，色彩取代了線條和素描的地位，成為繪畫的第一構成要素；高更在1888年也清晰地感受到色彩的表現力，稱“色彩能夠作為一種密碼來傳遞信息”；梵高更是借助色彩表現內心精神世界的一位高手。1905年的法國秋季沙龍展上，以馬蒂斯為首的野獸派藝術家鄭重地把解放了的色彩展現在世界的面前，色彩終于成為藝術王國里的自由公民了。

從“色彩偏見”到“色彩解放”，再到后來出現的“色彩至上”，人們對色彩的逐步認知體現出不同時代的文化特性，西方藝術中色彩“身份的轉變”不但標志著現代派藝術的粉墨登場，而且體現了色彩自身的潛在能量。色彩就像是一個先鋒家和鼓動者，不斷地挑戰著人類審美文化與藝術表現的邊界。

二、用色彩體味人生、詮釋情感――深化色彩的人文關懷

當色彩的功能從再現轉向表現，從真實模寫轉向情感表達時，色彩也開始逐步與人的情感、精神聯系到一起。在藝術的世界里，色彩可以承載藝術家的情感沖動、心靈體驗甚至神秘的幻想。這極大地豐富了色彩的性格和表現力，深化了色彩的人文關懷和文化內涵。

約翰?拉斯金曾說，“最純潔、最有創見的人是那些最熱愛色彩的人”。的確，西方現代藝術大師大都是色彩表現的高手，在他們的藝術圖譜里，色彩的力量總是最動人心魄的。

荷蘭畫家梵高擅長運用純色表現內心最深處的痛苦和激情。純粹的黃色是梵高藝術圖譜中的經典用色，著名的《向日葵》正是其黃色畫風的代表。黃色的向日葵被梵高賦予了一種神秘的精神力量和永不褪色的光輝，這滿眼的金黃色既是他熱愛生活、對藝術執著追求的寫照，又是其苦難生命體驗的縮影，體現了他人生全部的理想、熱情、痛苦和掙扎。

此外，梵高還經常運用對比強烈的互補色作畫?！兑归g咖啡館》《星?月?夜》《烏鴉群飛的麥田》等皆體現了某種恐怖、不安的心理暗示和與命運搏斗、抗爭的精神力量。

表現主義藝術的國際先驅者、挪威畫家愛德華?蒙克也是一位用靈魂作畫的藝術家。蒙克常常通過畫面中強烈的、充滿主觀情感的色彩來表現內心深處的痛苦和郁悶，將自己的生命體驗融入在血紅和黑色的斗爭之中，從而獲得精神上的慰藉。正如美國藝術評論家約翰?拉塞爾在《現代藝術的意義》中所說：“蒙克在色彩的運用上給我們上了一課，不僅如此，他還教導我們要熱愛自己的經歷而不要害怕它。”②

現代藝術大師、野獸派領軍人物亨利?馬蒂斯把色彩的表現力發揮到了極致，這些豐滿、充滿個性的色彩是藝術家“對生活的提煉，而不是對生活的模仿”“對于色彩誰也沒有他懂得多。因此他所說的話對我們影響很大，還有他所描繪的大變革現在看來是不可避免的”。③

在這些“色彩專家”中，還有一位不能不提，他就是抽象派藝術大師瓦西里?康定斯基。在繪畫中，他把“調色板上色彩的感覺變成各種心靈的體驗”④，力圖“觸及人類的靈魂”。同時，康定斯基相信色彩有其獨特的生命意義。例如，他在1910年寫的《論藝術的精神》一書中認為，黃色是人類的世俗，代表著大地；藍色是天空色，代表著高貴和升華；綠色是平靜、自我的滿足；紅色與綠色相對，它是前進運動的力量；紫色意味著衰敗和枯謝；強烈的黃色象征著活潑好斗；橘黃色像教堂的鐘聲一樣清脆響亮；白色代表著一種虛無，猶如生命出現之前的冰河時期；黑色則意味著死亡，是無生命的沉寂……

西方現代派藝術大師精彩的色彩觀體現出獨特的人文關懷和魅力，是藝術家自我表現意識覺醒的象征。

三、色彩包含的跨文化因素――拓展色彩的文化張力

隨著時代的發展，藝術創作中色彩的跨文化性研究越來越受到重視，這對于發掘色彩內涵、拓展色彩的文化張力具有重要意義。關于色彩的跨文化性因素，筆者認為，可以從以下幾點窺視。

（一）色彩體現科技含量。人類對色彩的認識經歷了從“無法”到“有法”再到“無法”的跨越。伴隨著西方第二次科技浪潮的洗禮，光學、色彩學的進一步發展促進了印象主義、新印象主義藝術的生成；各種色彩理論體系的建立和對“原色”與“補色”關系的研究使藝術創作有時更像是一場科學試驗；照相、攝影技術的出現使藝術家面臨前所未有的憂患感，進而催生了表現主義、抽象主義藝術的發展……這一切都顯示了色彩與科技的相互影響、融合。

（二）色彩包含宗教內涵。眾所周知，在人類的文化史中，藝術與宗教幾乎是同時出現并緊密聯系的。色彩在宗教藝術、宗教儀式及巫術、神學活動中起到重要作用。如早在原始社會的祭祀、巫術禮儀活動中，原始人就用紅色、土黃等強烈色調涂抹身體和祭祀物品。原始人認為紅色是血與火的代表，象征生命和溫暖；黃色則是土地的象征，象征歸于塵土的樸素想法。在歐洲中世紀藝術中，色彩斑斕的教堂彩色天窗給人以更接近天堂的宗教冥想。

（三）色彩輔助心理治療。色彩能夠作用于人的生理及心理已經成為不爭的事實。人們通過實驗發現“按照藍色、綠色、黃色、橙色、紅色的順序照射被試者的時候，被試者的肌肉彈力顯示出增強的趨勢，同時，被試者的脈搏也會相應的增強”⑤。這就說明亮度強、飽和度高、振動波長較長的顏色如紅色、明黃色等能夠令人興奮；相反則會讓人產生舒緩或者抑郁的心理變化。隨著時代的發展，將藝術引入心理學及醫學的治療，已經成為一種新型的治療方式，并催生了“藝術治療學”的發展。色彩在藝術治療中起的作用也日益受到人們重視。例如讓小腦受損、平衡感破壞的病人穿上綠色衣服輔助治療其頭暈、走路失衡的癥狀。色彩具有的心理學暗示也在生活的方方面面發生著作用，如人們常常在餐廳懸掛些色彩明快的藝術作品，起到促進食欲作用；早教課堂上，給嬰幼兒更多的色彩刺激，以促進嬰幼兒大腦神經的發育等。

可見，色彩體現出的跨文化性內涵使人們對色彩有了更為全面的認識，拓展了色彩的文化張力。

最后，讓我們用約翰?拉斯金對色彩的精妙描述體味色彩的文化內涵。“色彩能在人心中喚起永恒的慰藉與歡樂；色彩在最珍貴的作品中、最馳名的符號中、最完美的印章上大放光芒?！雹?/p>

注釋：

①②③約翰?拉塞爾.現代藝術的意義[M].北京：中國人民大學出版社，2003：30，62，31.

④畢加索，等.現代藝術大師論藝術[C].北京：中國人民大學出版社，2003：84.

篇（8）

一、數學學習方法指導的內容

根據學生學習的幾個環節（預習、聽課、復習鞏固與作業、總結），從宏觀上對學習方法分層次、分步驟指導。這種學習方法具有普遍性，可適用其它學科。

1.預習方法的指導。

初一學生往往不善于預習，也不知道預習起什么作用，預習僅是流于形式，草草看一遍，看不出問題和疑點。在指導學生預習時應要求學生做到：一粗讀，先粗略瀏覽教材的有關內容，掌握本節知識的概貌。二細讀，對重要概念、公式、法則、定理反復閱讀、體會、思考，注意知識的形成過程，對難以理解的概念作出記號，以便帶著疑問去聽課。方法上可采用隨課預習或單元預習。預習前教師先布置預習提綱，使學生有的放矢。實踐證明，養成良好的預習習慣，能使學生變被動學習為主動學習，同時能逐漸培養學生的自學能力。

2.聽課方法的指導。

在聽課方法的指導方面要處理好“聽”、“思”、“記”的關系。

“聽”是直接用感官接受知識，應指導學生在聽的過程中注意：（1）聽每節課的學習要求；（2）聽知識引人及知識形成過程；（3）聽懂重點、難點剖析（尤其是預習中的疑點）；（4）聽例題解法的思路和數學思想方法的體現；（5）聽好課后小結。教師講課要重點突出，層次分明，要注意防止“注入式”、“滿堂灌”，一定掌握最佳講授時間，使學生聽之有效。

“思”是指學生思維。沒有思維，就發揮不了學生的主體作用。在思維方法指導時，應使學生注意：（1）多思、勤思，隨聽隨思；（2）深思，即追根溯源地思考，善于大膽提出問題；（3）善思,由聽和觀察去聯想、猜想、歸納；（4）樹立批判意識，學會反思。可以說“聽”是“思”的基儲關鍵,“思”是“聽”的深化，是學習方法的核心和本質的內容，會思維才會學習。

“記”是指學生課堂筆記。初一學生一般不會合理記筆記，通常是教師黑板上寫什么學生就抄什么，往往是用“記”代替“聽”和“思”。有的筆記雖然記得很全，但收效甚微。因此在指導學生作筆記時應要求學生：（1）記筆記服從聽講，要掌握記錄時機；（2）記要點、記疑問、記解題思路和方法；（3）記小結、記課后思考題。使學生明確“記”是為“聽”和“思”服務的。

掌握好這三者的關系，就能使課堂這一數學學習主要環節達到較完美的境界。

課堂學習指導是學法中最重要的。同時還要結合不同的授課內容進行相應的學法指導。

3．深后復習鞏固及完成作業方法的指導。

初一學生課后往往容易急于完成書面作業，忽視必要的鞏固、記憶、復習。

以致出現照例題模仿、套公式解題的現象，造成為交作業而做作業，起不到作業的練習鞏固、深化理解知識的應有作用。為此在這個環節的學法指導上要求學生每天先閱讀教材，結合筆記記錄的重點、難點，回顧課堂講授的知識、方法，同時記憶公式、定理（記憶方法有類比記憶、聯想記憶、直觀記憶等）。然后獨立完成作業，解題后再反思。在作業書寫方面也應注意“寫法”指導，要求學生書寫格式要規范、條理要清楚。初一學生做到這點很困難。指導時應教會學生（1）如何將文字語言轉化為符號語言；（2）如何將推理思考過程用文字書寫表達；（3）正確地由條件畫出圖形。這里教師的示范作用極為重要，開始可有意讓學生模仿、訓練，逐步使學生養成良好的書寫習慣，這對今后的學習和工作都十分重要。

4．小結或總結方法的指導。

在進行單元小結或學期總結時，初一學生容易依賴老師，習慣教師帶著復結。我認為從初一開始就應培養學生學會自己總結的方法。在具體指導時可給出復結的途徑。要做到一看：看書、看筆記、看習題，通過看，回憶、熟悉所學內容；二列：列出相關的知識點，標出重點、難點，列出各知識點之間的關系，這相當于寫出總結要點；三做：在此基礎上有目的、有重點、有選擇地解一些各種檔次、類型的習題，通過解題再反饋，發現問題、解決問題。最后歸納出體現所學知識的各種題型及解題方法。應該說學會總結是數學學習的最高層次。

學生總結與教師總結應該結合，教師總結更應達到精煉、提高的目的，使學生水平向更高層發展。

二、數學學習方法指導的形式

1．講授式。它包括課程式和講座式。課程式是在初一新生入學的前幾周內安排幾次向學生介紹如何學習數學，提出數學學習常規要求的課。講座式可分專題進行，可每月搞一至二次，如介紹“怎樣聽課”、“如何學習概念”、“解題思維訓練”等。

篇（9）

多明尼哥·斯卡拉蒂是18世紀意大利著名的作曲家、古鋼琴演奏家，亦是音樂史上最具獨創個性的藝術家之一。他雖然與巴赫、亨德爾同時生于1685年，而且所處的時期也正值歐洲巴洛克音樂盛行的后期，但斯卡拉蒂卻以他獨有的藝術氣質，承載著深厚的社會背景，向我們展示了一種全新的音樂風格。斯卡拉蒂所創作的奏鳴曲使他成為鍵盤領域新技法的奠基人，這些經典的傳世之作也以嶄新的音樂體裁與結構原則，為后世的音樂樹立了永恒的典范。我們在演奏斯卡拉蒂奏鳴曲時，要充分體驗斯卡拉蒂音樂作品中的一些與眾不同的特點：源于意大利唯美主義的旋律，色彩豐富的和聲，同時還具有西班牙熱情、奔放的鮮明節奏以及充滿即興的藝術情趣。以下是筆者對斯卡拉蒂奏鳴曲時間藝術的研究。

一、速度

1.速度標記

斯卡拉蒂所寫的速度標記是很有限的，這些標記通常只限于簡單的Allegro、Presto或Andante，偶爾才會出現一些Allegretto、Vivo或Vivace。有時斯卡拉蒂用Moderato或Cantabile這樣的術語，它決不僅單純代表速度的含義，同時還具有解釋樂曲性質的意義，亦可將其視為表情術語來看。應根據不同的作品進行具體的研究，要符合音樂性質、思想感情和特定的音樂形象，從中試圖去感受其深刻而廣闊的內心世界及作曲家的情感、意愿，以便增強對音樂內涵的探索、想象和挖掘?，F在有些版本中，對于這些標記擅自改動而不加以說明，演奏者對此應抱以謹慎、客觀的態度。

例如，Presto，并不一定是要求演奏得很快，也不是讓那些所謂的演奏高手用作炫技的。對此，我們可以更好地把它解釋為生動、靈巧、活躍，或者是要求演奏者對作品中細膩、精致的變化做出敏銳的表達，以及顯示樂曲那一瞬間的亮點。雖然斯卡拉蒂也是一位技藝高超的演奏大師，但他那奇特的技巧和節奏的生動性永遠是交織在歌唱性的旋律線條與和聲細微的變化以及精雕細琢的節奏轉換之中的。以上這些是演奏者在選擇速度時必須首先考慮到的，而不僅僅只考慮自己的手指可以跑得多快。

再如，Allegro和Andante，在演奏許多斯卡拉蒂奏鳴曲時，我們會發現一些作品中，Allegro和Andante在實際演奏中的速度是十分接近的。當要充分表現樂曲節奏的細微變化和樂曲旋律、和聲的內涵時，斯卡拉蒂的某些Allegro不比Andante快多少。當和聲節奏進行快時，Allegro可以表現更大的和聲密度，而Andante則用于和聲節奏進行寬廣的地方。也就是說，Allegro和Andante在速度上的準確把握，根本取決于和聲節奏進行的松緊和快慢。如在3/4拍中的Andante，根據和聲節奏進行來看，一小節一個和聲，拍子也就應按一小節一拍來定。

此外，音樂中的運動速度也取決于樂句的呼吸或舞蹈性的動作。在多數情況下，Allegro標記的樂曲多與活躍的舞蹈有關，節奏異常鮮明豐富，也常出現跳躍性節奏的短句。而在大量的Andante和標有Cantabile的樂句中則除了具有歌唱性并時常有著憂郁的情調外，往往還具有平衡、統一、重復盤旋的節奏特點。這種節奏特點就像靜止中的運動，在你察覺不到的狀態中前進。有點像西班牙北部波來羅舞曲中的節奏，無始無終，在無窮無盡的空間中晃動，直到消失。如果演奏得太慢，反而會失去了節奏的韻律，而斯卡拉蒂就是恰到好處地運用這種魔力來吸引著每一位聽眾。

要掌握斯卡拉蒂作品的速度變化，一定要了解當時的古鋼琴與現代鋼琴的本質區別，以及當時的藝術風格和藝術情趣，既保持時代特征，又使速度做到準確而不死板。其中要注意的一點是，在現代鋼琴上許多人演奏的漸慢，常常對應的是伴隨力度漸弱變化，在斯卡拉蒂的時代人們是不會這樣做的。因為當時的古鋼琴只能表現有限的力度變化，所以我們對速度的掌握不能脫離一定的歷史風格。

2.速率

通常，斯卡拉蒂作品的速度往往會被演奏得太快。而且，聽眾們客觀所聽到的Allegro和Presto總是會比演奏者主觀聽到的要快得多。過快的演奏只注重了外在華麗、閃光的演奏技巧，卻忽視了樂曲本身與眾不同的性格。一般演奏者在選擇速度的時候都會從旋律起伏中最快的音符和低聲部潛在的和聲進行這兩個方面來考慮。在實際演奏中，拍子的單元（拍號）對于速率的把握是沒有太大關系的。比如說在一首4/4拍的樂曲中，并不一定每小節都打成四拍，根據每小節音符的時值及其不同組合，我們可以把它打成八拍或者兩拍，甚至一小節一拍，這就是速率的變化。確切地說，速率的變動是由樂曲中音符時值組合形成的節奏脈動或和聲進行的疏密程度來決定的。比如，在奏鳴曲K54中，12/8拍的塔蘭臺拉舞曲，其中八分音符構成的旋律與和聲進行節奏相結合形成的速率，同拍號本身要求的節拍速率是不同的。綜上所述，速度的選擇不僅要考慮速度標記，還要剖析旋律結構，對和聲進行要有極強的洞察力，對節奏內在速率的變化要有敏銳的感受力以及對節拍韻律做不同側重點的選擇。

二、節奏

在斯卡拉蒂作品中有很多精彩的節奏變化效果，而這種變化是緊緊環繞著西班牙民間舞蹈這一中心的。即使是簡單的十六分音符和八分音符以及四分音符交織，斯卡拉蒂都會巧妙地加上裝飾音和雙音，使樂曲不僅具有鮮明的西班牙舞蹈節奏，同時還模仿出西班牙最具特色的民間樂器響板、鈴鼓那特殊的聲響效果。這樣的節奏型活現了西班牙人歡快、奔放、熱情的善歌善舞的生活。由于西班牙的民間舞蹈深深地融入了斯卡拉蒂的血液中，成為他最富特點的創作語匯，所以在把握斯卡拉蒂作品的節奏時，必須時時注意到這一點。

1.節拍

在斯卡拉蒂作品中，豐富多樣的節奏變化常通過節拍的靈活運用來體現。比如兩拍與三拍的內在韻律轉換就是最富特點的變化手法之一。在演奏這種作品時，如果只把這些節拍韻律上的轉換當作普通的切分音來看，那就會失去節拍上的復合性，從而違背作者創作的本意。只有注重這些不同聲部各自不同的節拍韻律以及它們相對獨立但又相輔相成的關系，才會再現作品的原貌。

2.小節線

斯卡拉蒂從不做小節線的奴隸，這也是他的音樂最具即興性的原因之一。在文藝復興時期的意大利音樂中，每一聲部中都是沒有小節線的，斯卡拉蒂就是在意大利受過無小節線的寫作訓練，并著有很多無伴奏合唱，所以斯卡拉蒂的奏鳴曲決不局限于小節線的束縛。這種樂曲中的小節線和拍號往往只是預示給演奏者一個起點，是一個不同聲部之間既獨立又互相平衡運動的起點。同時通過對音符之間不同時值的組合與對比，形成了斯卡拉蒂音樂中的復合節奏。這些在當時是極富創新性的獨特而豐富的節奏變化，這正是為什么斯卡拉蒂的古鋼琴音樂水平遠遠超過了同時期其他作曲家的原因。

在演奏斯卡拉蒂的作品時應隨時準備不同程度的忽略小節線，在這種情況下的小節線，往往是因為節奏的時值或和聲的進行而不得不標示出的。在奏鳴曲中，小節線的運用就是一個很好的例子。在一開始旋律音型與小節線劃分后的旋律節奏韻律是不一致的，如果這時我們去掉小節線，就非常容易找到旋律真正的節拍韻律和走向，從而發現并達到作曲家內心真正所要給予音樂的節奏動力。

3.節奏的組合

當我們要準確把握拍子的時候，一定要注意，節奏的組合在整體結構上應該給人以協調感和精確感，而不能像機械般的死板。大部分優秀的、真正有說服力的演奏不僅僅是把音符的時值清楚、準確地呈現在人們面前，更重要的是如何將不同的音符時值組合起來形成不同的節奏韻律。節奏的訓練不能只靠單純的數拍子來完成，而過分地強調拍子往往是最不具節奏感的演奏。音樂中節奏的準確把握也受到其他因素的影響，比如說技巧的掌握、和聲進行的速度和聲部間的協調等，它們都是能否把握好節奏的重要前提。一旦音樂中各部分之間能夠很好地協調，那么速度與節奏律動的問題就迎刃而解了。我們很有必要以旋律、和聲為依據，分段來考慮節奏，把那些隱藏在音樂里面的節奏單元組織起來，并加以分類，形成不同的節奏型板塊，然后根據上、下呼應關系再把這些板塊恰當地銜接或轉折。

當然，一個孤立拍子的存在是毫無意義的，只有與樂句產生互動關系并呈現速率上的對比變化，這一拍才會變得真正生動。當規則的拍子和不規則的節奏相互補充和對比時，才會產生音樂的緊張度。往往在規則的基礎上融入不規則，節奏才能發揮出最大的表現力。有時豐富多彩的節奏會因為缺乏嚴謹規則的節拍而顯得松散不協調；但過于注重規則的節拍，又會使節奏律動點的移位及其產生的旋律線條充分地展示。在快速樂段中，需要嚴格、精確地把握小音符時值；而在慢樂段中，這樣的做法卻會破壞音樂的線條特點。總之，要靈活、巧妙地掌握節奏律動，演奏就會既嚴謹又生動。

4.休止符

斯卡拉蒂作品中突然沉寂的休止，會給人帶來意想不到的效果。這種休止符一般都會整小節休息并加有延長記號，帶有一種超時空的瀟灑。這種突然的休止符不僅僅會在節奏進行中產生懸念，而且還代表著一種疑問。對于這種休止符的處理，一般人們都會通過漸慢或延長前一小節的拍子來達到與休止符的順利交接，而這樣往往會失去休止符本身帶來的無聲的興奮感，所以在休止符出現前一小節的節奏一定要準確。真正體察它的音樂實質，從而正確、嚴格地表現休止符。

總之，要在現代鋼琴上彈好斯卡拉蒂的作品必須時刻用辯正的方法去思考問題。一方面要認識到斯卡拉蒂是如何運用他那個時代樂器的;另一方面又要洞察到斯卡拉蒂多種創新的手法正是他頭腦中所追求的豐富、賦予變化的理想的聲音效果。同時在我們的教學工作中不應該束縛演奏者的想象力，應以在尊重作曲家本意為前提的基礎上更多、更好地了解作品的實質，才能更充分、更廣泛地拓展自己的思維和想象空間。

篇（10）

枚舉法是一種基本且又重要的解題策略，其基本思想是解題根據問題所給的條件，把部分或全部可能的答案列舉出來，通過這些例證逐個進行觀察、分析，從中歸納出所求的規律性知識。小學數學中解決一些探求規律性的數學問題（例如一些計算法則、運算定律、運算性質的學習等等）時常常用到這個策略。

二、從整體看問題

這種策略是從全局去把握題目的條件和問題，從整體去綜合思考，擺脫題目細節中一時難以理清的數量關系的糾纏，化難為易，化繁為簡，達到解決問題的目的。

例如，李林喝了一杯牛奶的1/6，然后加滿水，又喝了1/3，再倒滿后又喝了半杯，又加滿，最后把一杯都喝了，李林喝的牛奶多還水多？

按常規方法分析，數量關系錯縱復雜，直接解答是非常困難的。如果從整體角度去思考，撇開每次喝掉部分又加滿的細節，只抓住先后倒進的水一共有多少，問題就迎刃而解了。因為3次加進的水都喝掉的，一杯牛奶也同時喝光了。

“從整體看問題”的策略不僅在解答應用題時可用，在解有些計算題時，如能運用得當，可避免進行繁雜的計算，簡捷地求出正確得數。

三、模式識別

模式識別是小學生解數學習題時廣泛且常用的一種解題策略。他們在例題學習時掌握了一些經驗知識（解題模式），在實際解題時，首先要將題目的內容與自己已有的經驗知識發生聯系，從題目的情境中識別出某種熟悉的東西，辨別出題目屬于哪一類，喚起相關知識，然后確定解題的方法。解計算題時，就得識別題目的類型，喚起相關的計算法則、公式、運算定律等知識；解答應用題時，就需要辨別出題目屬于哪一類應用題，喚起相關的數量關系知識，從而確定解題的方法。

例如，兩個打字員合打一份2800字的文稿，甲每分鐘打40字，乙每分鐘打30字，要幾分鐘才能完成？

學生審題后，若能識別出是“工作量問題”，就會想起數量關系“總工作量÷工作效率＝工作時間”，并很快列式解答，否則就不能很快找到正確的解答方法?！澳Ｊ奖嬲J主要表現為識別應用題的類型，被試者能否識別類型在很大程度上決定著他能否迅速、準確地解答課題?！?/p>

四、化歸

化歸是把生疏的新問題轉化為熟悉的舊問題、把復雜的問題轉化為較簡單的問題的一種解題策略。它是小學數學中常用且非常重要的一種策略思想，不僅在解答一些數學題時要用到這種策略，而且在引導學生探究某些新數學知識時也要用到它。例如在教學“小數乘法法則”（實際上是解決“如何計算小數乘法”這個問題）時，要引導學生運用化歸的策略，先把“小數乘法”轉化為“整數乘法”來計算，然后還原乘積。化歸的方法，可以變換條件，也可以變換所要求的問題，從而實現化新為舊、化繁為簡的目的。

五、以退求進

華羅庚說：“先足夠地退到我們所最容易看清楚的地方，認透了，鉆深了，然后再上去?！边@就是以退求進的策略思想。在小學數學里，運用以退求進的策略，可使一些比較抽象的問題變得比較具體、簡單明了。例如，教學“整數乘以分數”的計算法則時，就是要運用以退求進的策略，退到最基本的“份”的概念上來，從份的角度來推算的：100×3/4就是把100平均分成4份，每份是100÷4或100/4，取其中的3份就是100/4×3，從而得到100乘以3/4=100乘以3除以4。

篇（11）

    西方現代文藝美學方法論就是有著悠久的科學思維傳統的西方文藝思想觀念的現代意識形態的體現,而且西方現代文藝方法論的構成也能證明它是一種科學思維的文藝方法論。

    西方現代文藝方法是隨著19世紀末20世紀初的西方社會進入了現代社會時代而興起的現代文藝思潮的產物。科學極大地發展和科學思想的形成是西方社會進入現代化的標志。科學系統論的學術方法使西方意識形態領域中的各種學科開始構建自己的理論體系,19世紀后半葉,在歐洲和西方各國的思想領域中出現多種學科思想相互滲透的學術理論現象,特別是科學作為現代社會的基本思想體系和現代人們思維的基本方式后,現代社會意識形態上出現了科學思想取代他意識形態思想的發展傾向。

    滲透到文藝中的其他學科的思潮構成了所謂的西方現代文藝方法論體系。西方現代文藝方法就是西方現代文藝思潮的產物。

    西方文藝美學方法是將藝術作為科學研究對象的產物,這一點在文藝美學方法的研究分類上十分明顯。一般西方文藝美學方法分為社會歷史研究法、結構研究法、象征研究法、精神分析研究法、原形研究法、符號研究法等。

    如:實證主義、實用主義、社會達爾文主義、心理學、強力意志論、弗洛伊德主義……

    代表人物:叔本華、本格森、尼采、斯賓塞、弗洛伊德、榮格……

    二、現代主義藝術的發展變化

    藝術起源于原始文化,由于生產力的發展,藝術的地位和作用都發生了變化。早在1839年發明了照相術,關于“藝術臣服于科學,藝術與科學是對手嗎?”這樣的討論就沒有停歇過。19世紀中葉的畫家開始利用照片繪畫,但其目的是“參照照片”而并非“畫照片”,此時的圖像是從屬于繪畫的,繪畫與攝影處在一種主從的關系中。19世紀末開始,畫家們感到了前所未有的心理壓力,攝影將逐步取代傳統繪畫,是極力地避讓攝影,還是主動地“借用”攝影,這是20世紀以來的現代主義和后現代藝術對待攝影截然不同的兩種文化態度。

    1915年,杜尚將小便器命名為《噴泉》提交到藝術博物館要求展出的行為成為了西方藝術界的一個轉折點。杜尚直接將來自現實生活的產品納入到藝術系統之中,打破了非藝術與藝術的分界。藝術作品日趨商品化。

    從而有了所謂“藝術的終結”。當畫家將一塊空白畫布當作美術作品展覽的時候,當作家將打字機自動敲出的符號當作小說發表的時候,當鋼琴大師將靜默的4分33秒作為作品演奏的時候,現代藝術的實驗已經走到了終點,并在一種新的意義上意味著藝術的終結。這就是對藝術的一種消解。

    三、論述西方現代主義藝術對傳統中國畫的影響

    中國畫是中國五千年傳統文化的遺傳,有著悠久的歷史,是中國傳統人文精神的體現,注重的是畫的意境,講究淡泊名利的悠遠之感。中國畫在內容和藝術創作上,體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。

    傳統的中國畫對筆、墨、紙、硯、顏料、畫工、書法、印章等,都很講究,制作程序繁瑣,要消耗大量地時間和精力,產品的產量較小,且價格昂貴。

    西方現代主義藝術的出現,使藝術更加得大眾化,大量的商業藝術復制品出現,為人們在購買藝術品的時候提供了更多的選擇。繪畫呈現出一種多元化的趨勢,藝術品市場更是百花齊放。藝術作品的大量復制,市場上出現了越來越多的廉價名畫復制品,使更多人可以購買藝術品作為自己的家居裝飾品。

    西方現代主義藝術伴隨著科學的發展,當前的科學技術在逐步取代繪畫技法,電腦也可以畫出水墨意境的作品,并且效果豐富,易于掌握,這對制作方法復雜的傳統中國畫來說是一種沖擊。

    傳統中國畫是經過多個朝代的發展,逐漸被繼承下來的。“畫分三科”——山水、人物、花鳥,并在歷朝歷代的發展中形成了多種流派,如:黃派、徐派、吳門畫派、北方山水畫派、南方山水畫派、湖州竹派、常州畫派、米派、松江派、浙派……傳統中國畫是中國古代封建社會的上流人士修身養性、陶冶情操的一種方式。中國畫,特別是其中的文人畫,在創作中強調書畫同源,注重畫家本人的人品及素養。隨著時代的發展,西方現代主義藝術的發展,傳統中國畫的作畫形式漸漸地已經無法適應社會的發展,為了適應市場對國畫藝術作品的需求,一些畫家村開始了產業式的管理,創作國畫和制作國畫復制品,多產多銷式經營,并且注重畫作的品質和質量,也帶來了不錯的利潤。這是一種產業化的大眾文化,這類藝術從某種意義上來說也就是藝術的商業化。