緒論：寫作既是個人情感的抒發，也是對學術真理的探索，歡迎閱讀由發表云整理的11篇藝術歌曲論文范文，希望它們能為您的寫作提供參考和啟發。

篇（1）

十九世紀初，歐洲文學藝術普遍形成了一種新的潮流、新的風格，音樂的發展也出現了不同的特點并產生了許多民族作曲家、音樂活動家，像羅西尼、柏遼茲、舒伯特等等。他們一方面汲取浪漫主義思潮中有益的部分，另一方面，在民間藝術中尋取創作素材，在作品中重視和反映民族的特點，用幻想的題材和形象來體現自己的愿望，并在創作手法上做了許多革新，在主題的音調上加強了抒情的因素，在器樂作品主題中貫穿了歌曲的音調，在聲樂作品器樂伴奏里也增加了詩意的形象刻畫，在音調中突出了民族民間因素的聯系，加強和聲和調性關系的色彩變化。如三度的調性關系、同主音大小調的轉換等，特別是在創作手法和形式上做了大膽的革新，豐富和發展了古典的傳統。奧地利作曲家舒伯特則是這個時期浪漫主義最突出的代表人物之一。他在短暫的一生中，創作了六百三十四首藝術歌曲，八首交響曲，大量的弦樂四重奏，鋼琴奏鳴曲和為數不多的室內樂，此外還有多首彌撒曲和價值影響均不大的歌劇。

一、主要作品

舒伯特對藝術歌曲的創作靈感像泉水一樣，不停地噴涌。這和貝多芬有很大的不同，貝多芬的創作構思十分辛苦，不斷琢磨和修飾且經常改動，甚至放棄原來的計劃。舒伯特卻從不做長時間的推敲，經常是一揮而就，一氣呵成。傳說他的那首著名的《聽聽!那云雀》就是在咖啡館內的菜單上畫上五線譜寫出來的，他的譜曲十分神速，據創作年度統計，在1815年8月這一個月內，他一口氣寫出了二十九首藝術歌曲，兩首交響曲，一首四重奏，四首奏鳴曲，兩首彌撒曲和五部歌劇。有朋友問他是怎樣作曲的，他只是說:“我寫完一首樂曲，就開始寫下一首。”然而，這決不是粗制濫造，每一首樂曲都是他心血的結晶，都產生自他的感時傷世的浪漫主義偉懷。他說過:“我的音樂是我的才能和悲慘境地的產物，世人最喜愛的，正是我以最大的痛苦寫成的音樂。”

以下是在我國流行廣泛、燴炙人口的作品:

聲樂套曲《美麗的磨坊女》(1823年)，這部聲樂套曲和另一部聲樂套曲(冬之旅》都是根據大詩人威廉?繆勒的名詩譜成。兩部套曲的創作相距四年，但其風格氣質和內心感受卻有一脈相承的相似之處，像是姊妹篇，也具有很大的自傳性成份。

《美麗的磨坊女》是一部愛情悲歌，它的內容大意是一位青年磨工偷偷愛上了磨坊主美麗的女兒，他每天向女孩傾訴他心里的秘密，把姑娘的名字刻在樹枝上，把鮮花種植在姑娘的窗前。然而姑娘讓一位英俊的獵手帶走了，痛苦的小磨工只能與奔流著的小河作伴，最后在碧澈的河水中埋葬了他痛苦的靈魂。

聲樂套曲《冬之旅》(1827年)是舒伯特去世前一年里的最后一部聲樂套曲。它的悲劇色彩比前一首強烈很多，在音樂手法上也有更多的變化和發展，描寫一個在生活中備受折磨，經歷了種種痛苦的流浪者，在漫漫的冬夜踏上凄涼的旅途，四周是一片黑暗與冷酷，他追憶著過去的幸福，明媚的春天，企圖作奮力的掙扎，然而現實無情，他萬念俱灰，失去了一切希望。只有不斷地祈求死亡，以得到最后的解脫。整個套曲的基調是消沉的，舒伯特自己也稱這些歌曲是“可怕的歌”。這部套曲共由二十四首小曲組成，它們的標題是:晚安、風標、凍淚、凍僵，菩提樹、淚泉、在河上、回顧、鬼火、睡息、、孤獨、郵車、白發、烏鴉、最后的希望、在村中、風雨的早晨、迷惘、路標、旅店、勇氣、虛幻的太陽、街頭藝人。從這些標題中可以看出，這位冬日的流浪者的心境是多么的寂寞，生活是多么的坎坷。它的第五首菩提樹是我們最熟悉的一首，也是最具有代表性一首，他情景交融，委婉動人，通過流浪者對家鄉屋前菩提樹的回憶，顯示了他對昔日的美好生活的眷戀和旅途寂寞憂傷心情的對照。音樂含蓄樸實，結構嚴謹、勻稱，常用同名大小調轉調的手法來對比不同的心情。

二、創作特征及藝術表現

號稱“歌曲之王”的奧地利作曲家舒伯特，在同時代的作曲家中其作品更為敏感和細膩。他的一生雖然沒有貝多芬的地位顯赫，但翻開舒伯特創作的作品，就能摸索到他頭腦中大量美麗歌曲的源泉。舒伯特的藝術歌曲以優美的旋律，樸素的織體，溫暖而富于色彩的和聲打動人心，作品突出音樂性、家庭性、通俗性，音樂形象鮮明。尤為突出的是他作品中超越時代的和聲、開放式的調式變異、一體化多層次的樂隊結構和他無比非凡的奇思異想。在舒伯特的藝術歌曲中，不僅具有橫向、細膩、歌唱性的旋律，還伴有意想不到的，突如其來的和聲變化，而每一個和聲又暗示著聲部的不斷進行，在看似平凡的外表下隱藏著一顆敏感、豐富、脆弱的心靈。

舒伯特善于在藝術歌曲的創作中經常采用一種結構形式—分節歌，即:詩歌的每一段或每一節都重復使用相同的旋律。如旋律輕松、歡暢的《野玫瑰》和在清澈小溪中暢游的《縛魚》及具有沉思般樂句所闡感又仿佛讓人進人凝重的《小夜曲》等等。他善于沖破古典和聲的嚴格束縛，達到完全自由的和聲走向，沖出調式遠近關系的限制，運用多聲部、多線條的立體和聲與復調、技法來表現旋律色彩的不斷變化。從調式、聲音、和弦到節奏的不斷改變，達到音響色彩和諧而有規則的效果。這一切正是舒伯特音樂的強大藝術力量所在，這種強大的藝術力量能夠體現出作曲家內心的祈求與掙扎。長期緊迫的生活壓力和內心孤獨感交織在一起，處處充滿了希望與絕望、黑暗與光明、生命與死亡的抗爭，從而獲得一種活下去的堅強信念。舒伯特深信:一支動人的曲調本身就蘊藏著無窮的樂趣和魅力，它的經常出現無疑會令聽者感到無比親切和滿足。“舒伯特的音樂用平易近人的語言訴說的不是后來浪漫主義者那種孤僻的主觀世界，而是大家所熟悉的普遍存在的事物”。在敘述事物時，音調的直率和表現事物時音調的內在氣質正包含著今天音樂所有的品質—和諧、美妙、高尚。

在舒伯特的藝術歌曲中，他不僅善于創作優美的充滿內在激情的旋律，而且還有意識地把和聲及器樂伴奏等其它音樂因素提高到詩和旋律同等重要的地位，在詩的旋律的主體周圍創造出一個均衡完整的音樂機體，使歌聲與器樂伴奏水融。他的藝術歌曲的伴奏，既不是象往昔的歌曲那樣只是簡單的和聲上的輔助，也不是象現代某些作曲家那樣，只是從管弦樂的角度設想，把聲樂部分納人一個類似交響樂那樣的結構中。他在伴奏樂器上所作的感情烘托，色彩和氣氛刻劃，包括對大自然、對心理上的刻劃都是無以倫比的。“他的著名藝術歌曲《縛魚》伴奏中的魚躍與和聲;他的《小夜曲》伴奏中對六弦琴分解如弦的音響模擬;他為歌德敘事詩《魔王》中的音樂氣氛的心理描寫，都是十分卓越的”。比如:在歌曲《魔王》一開始，鋼琴伴奏就以持續不斷的三連音和低音區簡短的音階走向，既模仿了急促的馬蹄聲和呼嘯的風聲，又渲染著毛骨驚然的陰森的氣氛，音樂形象極為鮮明。它至今仍然是歌曲伴奏上難以涉及的典范。貝多芬當年也準備為歌德的這首詩譜曲，留下了一份草稿，他對這首詩的戲劇性有深刻的理解，但是卻放過了歌德詩作中那種神奇的幻境。“舒伯特的《魔王》具有同樣的戲劇性，然而卻進一步用奇幻的音樂手法來捕捉他的意境，表現出十分生動的心理刻畫和氣氛刻畫，產生出非常富于想象力的神秘幻覺。”岡他在古典主義沃土里培育出浪漫主義花朵，并使它具有強大的生命力，正如哈多爵士這樣評價舒伯特的藝術成就:“就樂思與體裁的明晰度而言，他不如莫扎特的成就;就音樂的結構而言，他遠遜于貝多芬;但就詩意的表現力及暗示力而言，卻是前兩者所不能及的”。的確，舒伯特的音樂既有浪漫主義的詩意，又有古典主義的光明。他是音樂史上浪漫與古典交替時期承上啟下的人物。從他明確的思維和采用風俗色彩的寫作手法來看，他屬于古典樂派的作曲家;但從他的處世態度、對大自然的特殊愛好、以及音樂的歌唱性、抒情性和富于多變的舞曲性來看，他屬于一個浪漫主義作曲家，他的交響性風格繼承的是古典傳統，但他的歌曲和鋼琴曲完全是浪漫主義的。

三、歷史貢獻

舒伯特在藝術歌曲的創作上確實有著杰出的貢獻，他第一次把歌曲創作提升到可與交響樂相提并論的歷史地位，取得了非常卓越的杰出成就。在他創作的六百多首藝術歌曲中，其中有一百多首是以歌德的詩所譜寫，其余的則采用席勒、海涅、繆勒等著名詩人的詩歌。舒伯特在旋律寫作上有著極高的才能，尤其是歌曲的創作，幾乎是不費吹灰之力。他寫歌曲總是那么輕而易舉，提起筆來不家思索。對于寫成的東西，他從不再去反復推敲與修改，一切順其自然，水到渠成。在這一點上，他完全可與莫扎特相媲美。他常常手執名家的詩集在室內徘徊，然后突然伏案奮筆疾書，短短的幾分鐘又一首傳世佳作誕生在人間。難怪有人說他的歌曲不是“寫出來”的，而是“生出來”的。

伴隨著法國資產階級革命的爆發，浪漫主義思潮隨之席卷了整個歐州。他的實質是理想主義，音樂創作的目的就是為了抒發具有個性的作曲家本人的思想感情。這種感情是復雜多樣的，對美好生活的憧憬，對大自然的贊美，找不到出路的困惑及逃避現實的自我陶醉等等。

篇（2）

一、當代藝術歌曲文學載體中的古典作品情感表現形式

當代藝術歌曲有很多是由優秀的古典詩詞“新瓶裝舊酒”，唐宋時期流傳至今的一些家喻戶曉的詩詞，在保持中國式優美平和的旋律和中國古代文人詩詞特有的含蓄及中國古代音樂風貌的基礎上，賦予了其更豐富的內涵。通過現代的作曲技法，從調式、調性、和聲、織體、旋律等方面符合當代人審美情趣，因此在其藝術性上有了更加突出的表現。這種古為今用的新的藝術歌曲形式可以深入細致地表達文學作品細微的情感世界，極富感染力。藝術情感是一種審美情感。美學情感反映在藝術里就是藝術來源于生活，又高于生活。藝術情感同樣是有別于自然的日常情感，它要通過不同的藝術表現形式呈現出來。藝術家應該在理論上強調藝術創作中感情的重要性。更要注意這種情感的特殊性。藝術情感是一種本質化了的情感，因而它具有典型性和普遍意義。美國著名的美學家朗格在《藝術問題》說：“藝術所要達到的是對于情感生活之本的觀察和理解”，史賓諾說“音樂是人生中最美好的藝術，只要有美麗的音樂，就有幸福快樂的生活。”莎士比亞也說“一個人如不懂得音樂，他的精神必黑暗無光，這樣的人沒有感情，讓我們不要信任他。”藝術情感是形象思維的產物，因而是一種“有意味的形式”。我們平常在唱一些歌曲時，對它們的內容與感情一般容易理解，而在唱一些中外古典歌曲時，特別是中國古曲時，往往弄不通詞句的意義，這種無情之曲是絕不會感人的。我國著名作曲家黎英海先生用唐代詩人張繼的詩《楓橋夜泊》創作了一首絕佳的藝術歌曲，歌詞“月落烏啼霜滿天，江楓漁火對愁眠。姑蘇城外寒山寺，夜半鐘聲到客船”。極富空靈、含蓄、平淡、自然之美。詩人在詩中所描寫的月落、烏啼、霜、江楓、漁火、夜半鐘聲極富淡雅、清新的水墨畫意境。但透過這些景物我們可以感覺到詩人作客他鄉那種悵然和憂郁。根據北宋詩人李之儀的《卜算子我住長江頭》譜曲的“我住長江頭，君住長江尾。日日思君不見君，共飲長江水。此水幾時休？此恨何時已？只愿君心似我心，定不負相思意”。歌詞既具有民歌的質樸又具有文學大家的構思新巧。作品把身處兩地卻因相隔兩地而不能相見，此情如水長流不息，此恨綿綿終無絕期。只能對空遙祝君心永似我心，彼此不負相思情意。歌詞的構思設想很別致，富有民歌風味，以情語見長。在這首經典的藝術歌曲中，作曲家青主采用綿延悠長的音樂線條來表達綿綿不盡的情思。歌曲的伴奏采用十六分音符的快速分解和弦，模仿川流不息的流水，詞曲相得益彰。歌詞雖然沒有瑰麗奪目雕琢之辭，但給人帶來了攝魄的情感共鳴。歌詞本身蘊含的熾烈情感再配上具有同等地位的旋律和伴奏。使得作品的藝術感染力達到了極致。任何一名歌者只要能正確、深刻理解此作品而進行演唱，常令演唱者與聽者動容，進而潸然淚下，獲得強烈的情感體驗。作曲家石夫根據漢樂府民歌《長相知》創作的藝術歌曲也表達了愛人之間指天為誓、堅如磐石的愛情，與青主這首《我住長江頭》藝術歌曲有異曲同工之妙。感受真實情感帶來的藝術之美有時會產生很多灰暗的感彩，這些情感在欣賞的過程中時不時展現作品的藝術之美。藝術歌曲的文學情感，具有溝通交流的作用，具有感染強化的作用。他們所揭示的那個情感世界，都是發自內心的真實情感，這種情感也引起了讀者和聽眾的共鳴。歌詞在歌曲中確實有一種依附性，憑借旋律的翅膀飛起來，歌詞又是相對獨立的有其獨特的藝術價值，許多清麗雋永、膾炙人口的情真意濃的歌詞的確能給人以心靈的陶冶和美的享受。藝術歌曲歌詞的情感是一種藝術想象的產物，是藝術家長期感情郁結而產生的飛躍，是藝術家個人的即時情感，所體的是一種境界。著名作曲家谷建芬為電視劇《三國演義》寫的開篇詞《臨江仙滾滾長江東逝水》的主題歌是現代作曲藝術對古代音樂藝術的借鑒，它突出地表達了中國古典詩詞是中國傳統文化的精髓，在突出其文學價值基礎上，也在旋律上充分表現出中國傳統文化的含蓄美和語言聲調美，作品表達出的曠達超脫的人生觀、人生易逝的悲傷感、淡泊超脫的襟懷給人以強烈的心靈震撼，真可謂詞曲俱佳的典范。大氣深沉的曲調為本來就十分壯懷激烈歌詞的情感插上翅膀，使其情感的表達飛得更遠更高。

二、當代藝術歌曲文學載體情感中現代藝術表現形式

當代藝術歌曲應是廣義上的藝術歌曲。在近些年創作的藝術歌曲中，不乏旋律和文學的上乘者，這些歌曲受到廣大聽眾，特別是文學底蘊厚實，藝術素養較高者的歡迎。這些藝術歌曲之所以流傳廣泛、影響深遠，主要是歌詞的一個“情”字了得。情是歌曲的靈魂和核心，如果缺乏打動人的真情實感，不過僅僅是一堆文字游戲而已。了解作品的情感內容的深度，在整體文學基本的范圍內，對歌曲做某些音色藝術的調整。例如《思戀黃河》、《老師、我總是想起你》、《兩地曲》，為了表現歌曲各種思念的情緒，盡管這幾首作品分別選取不同的角度與人物，也采用了不同的手法來表達懷念思戀之情。幾首作品都選取樸實無華的語言，并沒有特別玩華麗的文字游戲，在音樂創作上采用以憂傷情感為主的小調抒情旋律，這種基于真情實感的歌詞使音樂作品撩撥人心靈琴弦，讓人產生強烈的情感共鳴，收到了良好的藝術效果。歌唱審美的最高境界是歌曲藝術審美的情感，也是最高的歌唱藝術的審美價值。這些極富審美情感的歌詞能沐浴人的靈魂，洗滌人的精神，藝術家正是以此實現自己的價值。它既使人獲得一種滿足，又使人產生了永恒的不滿足，因此，為其插上音樂旋律的翅膀尤為重要。不過這些真善美都是以歌詞作為基礎的。如潘兆和作曲《黃河夢》在歌詞里寫到：“海上明月光，望洋思故鄉，金色的黃河水流在我心坎上。啊，一回回夢里返故鄉，乘船漂流黃河上，金色河水洗鄉愁啊，還我少年模樣，醒來我無限惆悵，淚水滴濕了衣裳。海上明月光，望洋思故鄉，金色的黃河水流在我心坎上。啊，雖然故鄉遠隔重洋，黃河在夢里蕩氣回腸，金色河水洗鄉愁啊，還我少年模樣，闖蕩天涯海角，終將回到你的身旁。”這首歌曲把游子魂牽夢繞故土、熱愛華夏祖國的赤子情懷表達得淋漓盡致，催人淚下，令人感動不已。作曲家為其創作的旋律也十分貼切，真可謂詞曲水融、互相倚重、歌曲的意境得到了痛快的表達。由我國著名作曲家尚德義根據常春城作詞的藝術歌曲《老師，我總是想起你》，歌詞寫到：“每當我獲得成績得到獎勵，啊老師我總是想起了你，想起了你。想起你慈愛的笑容，想起你慈祥的話語。啊從心里默默地向你致意，向你致意。啊，親愛的老師我怎能忘記你？我怎能忘記你？”。在歌曲中所表現的對恩師的無限感激之情真誠而強烈，它讓無數學子和教書育人的師長從內心產生的強烈共鳴，受到真誠的感動。我國著名男高音歌唱家廖昌永認為，歌唱家最重要的就是真誠。他十分擅長一些情深意切的歌曲，他的音樂是由心而生，聲音就像從心里流出來一樣。其演唱的《老師，我總是想起你》被視為最佳演繹版本。觀眾時常見他含著熱淚演唱這首歌曲。其絲毫不矯情的真情實感深深地感動了所有的觀眾。之所以能深深地打動聽眾，就是因為感情很真摯。這種以情感表達的教化是春風化雨、潤物無聲的。在學術界，藝術歌曲的范疇越來越來寬泛，它已不局限于傳統意義上美聲、民族歌曲，很多優秀的流行歌曲也屬于此范疇。谷建芬的《燭光里的媽媽》也理所當然屬于藝術歌曲范疇。歌詞寫到：“媽媽我想對您說，話到嘴邊又咽下，媽媽我想對您笑，眼里卻點點淚花。噢媽媽，燭光里的媽媽，您的黑發泛起了霜花，噢媽媽，燭光里的媽媽，您的臉頰印著這多牽掛。噢媽媽，燭光里的媽媽，您的腰身倦得不再挺拔……”。母愛，是人類一個亙古不變的主題，是世界上最深沉的大愛。這種情感是包括詞作家、曲作家、演唱者、聽眾都能體會的。無論這種真摯細膩的情感是讓人溫馨還是讓人難過，受眾都能通過文學作品感受到作者的內心世界，并激發自己內心深處的共同情感，在感動之余受到感化，同時也很好的領悟藝術之美。藝術歌曲的文學載體——歌詞要吸引讀者，不能不重視它的情感表現。感情可以提高和保持作品的價值。古今中外名篇能震撼人心，保持長久的魅力，關鍵就在于融入豐富獨特的文學情感。近段傳唱十分廣泛的一首感恩抗震救災英雄的歌曲這樣寫到：“大地在顫抖，噩夢突然襲來，家園變成廢墟，無數生命被掩埋。是你把生死置之度外，告訴我不要放棄，人間有大愛。啊……因為有你驅散陰霾，啊……因為有你，生命之花再度重開，因為有你，讓世界充滿愛……”。由于歌詞質樸、旋律優美、情感真誠不矯飾。因此這首歌曲很快就迅速得到傳唱，獲得了極大的成功。對于同一首歌，不同的人會有不同的理解和表達方式，因而產生不同的藝術效果。我國著名作曲家、有音樂詩人之稱的陸在易先生創作的藝術歌曲《望鄉詞》，賦予這首詞獨特情感和藝術高度，譜上曲后，這首藝術歌曲獲得了極大的藝術生命力。“葬我于高山之上兮，望我故鄉；故鄉不可見兮，故鄉不可見兮，永不能忘。天蒼蒼，野茫茫，山之上國有殤；天蒼蒼，野茫茫，山之上國有殤。”深沉地表達了老先生思念祖國、思念大陸之情。其情感之刻骨銘心、愛國情之熾烈，驚天地泣鬼神。歌詞本身的情感內涵在作曲家的音樂創作下得到了升華。真摯的情感令人潸然淚下，倍受感動。藝術歌曲的歌詞不能玩文字游戲，不能離開情字。它應包括作曲家的情、演唱的情、聽眾的情。藝術歌曲歌詞深沉、內斂、細膩、含蓄的情感，不能缺乏生活的體驗和藝術的想象，否則是很難準確把握作品內涵的。

作者:費莉單位:四川音樂學院

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二、我國近現代古詩詞藝術歌曲演唱的特色

對于古詩詞而言，要真正領略到其中的美感就需要對其進行吟唱，但是我國的古詩詞傳統演唱方法與近現代的演唱方法是不同的，其演唱特征也不相同。

（一）近現代古詩詞藝術歌曲所選用伴奏的特點

對于我國的傳統古詩詞而言，由于沒有受到外國文化的影響，因此吟唱方式完全為我國的傳統唱法。但是對于我國近現代的古詩詞藝術歌曲而言，由于受到了西方文化的影響，在演唱的過程中已經加入了很多西式的演唱方式，例如在演唱古詩詞藝術歌曲的過程中加入西方唱法，并且在配樂中融入了很多西方樂器，如鋼琴、提琴等，這些與我國古代的傳統古詩詞藝術歌曲的演唱都是不同的。由于加入了西方的演唱方法與樂器，因此在這樣的加工方法下也就能夠將古詩詞中的意境、音律等因素表現得深入人心，也就更容易讓現代人所接受。

（二）近現代古詩詞題材選擇上的特點

目前我國的近現代古詩詞藝術歌曲往往是選擇我國歷史上有較大影響，并且流傳深遠、婦孺皆知的詩詞，例如岳飛的《滿江紅•寫懷》以及李白的《水調歌頭•丙辰中秋》。這些詩詞不僅在我國古代流傳深遠，在近現代也是十分出名的詩詞。而且這些詩詞在每個時代都會具有現實意義，例如《滿江紅•寫懷》可以激發起人們極大的愛國熱情，并且在進行演唱時能夠讓人充滿正能量，抒發人們內心的感受。

（三）音樂和詩詞韻律結合的特點

由于我國的古詩詞在進行創作時就注意到了音律以及曲調的特點，因此沒有進行譜曲的情況下讀來也朗朗上口，充滿節奏感。如果要創作古詩詞藝術歌曲，就需要運用到詩歌中的這些音律。依靠著這些音律譜出的曲調往往能夠更好地表現出我國古詩詞的美感，并且讓人在演唱的過程中能夠更加真切地體會到我國傳統詩詞中的深厚藝術功底。

（四）調性與調式以及和聲上的特點

在我國的古詩詞藝術歌曲中，往往都會利用到古詩詞中所具有的調式與調性特點，例如很多古詩詞中就含有對比的調式與調性。通過作曲家自身的專業水平結合這些調式與調性能夠事半功倍地創作出優美的古詩詞藝術歌曲。另外還要注意使用和聲，正確的使用和聲能夠為我國的傳統古詩詞注入更加新鮮的元素，從而讓我國的古詩詞藝術歌曲顯得更加優美。

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美聲聲樂藝術之所以冠之以“美”之名，最重要的原因就是其在聲音美感的規格和標準上有著極高的，近乎于苛刻的要求。主要包括充沛、流暢、沉穩的氣息;連貫的聲音;飽滿圓潤的共鳴腔體;完美的音質、音色等幾大方面。大型的歌劇詠嘆調對于聲音的戲劇性有著極高的要求，音域通常大起大落，強弱對比也非常強烈，這些對于聲音來說都是極大的沖擊。這并不是說大型的歌劇詠嘆調就不符合美聲藝術的各種審美規格和規范，而反之恰恰正因為如此，其需要演唱者要在演唱中更加嚴格的遵守美聲唱法的聲音技術理念和規范，但事實證明，如果演唱者沒有經受過嚴格的、全面的、扎實的基本聲音演唱能力的訓練和培養直接去演唱大型詠嘆調的話是無法真正掌握和擁有這些演唱能力和聲音控制能力的，因此可以說，我們在重視德奧藝術歌曲重要性的同時并不是要否定歌劇詠嘆調，而是要強調扎實的演唱基本功對于演唱的重要性。首先，德奧藝術歌曲創作規范嚴謹，音樂結構完整、旋律流暢富于連貫性，分句規范而富于科學性，對于呼吸的穩定性、聲音的連貫性，和分句的科學性都有著嚴格的規范和要求，因此學習和演唱德奧藝術歌曲對于訓練學生穩定的呼吸方式和連貫自然的聲音連接有著極好的作用和效果。第二，學習和演唱德奧藝術歌曲可以使學生的音色和音質更加純凈。與歌劇相比，德奧藝術歌曲更加具有理性的氣質，因此，音樂情感更加細膩，音樂優美、規整，意境唯美幽遠，因此在音樂情緒和表現方式上也更加理性、克制和含蓄，因此演唱德奧藝術歌曲對于音質和音色有著極高的要求，容不得聲音上的半點雜質和瑕疵，這就要求演唱者在演唱時要保證音質的絕對純凈和音色的絕對優美，這就會極大的提高學生對于音質和音色的處理和表現能力。第三，學習和演唱德奧藝術歌曲可以增強學生的聲音變化與處理能力。之前已經有所提及，藝術歌曲在音樂的規范性、嚴謹性、科學性上都有著極高的規格和標準，因此音樂表情也更加細致和豐富，因此對于音量及音色的變化上也就更加細膩和豐富，每一個重音、每一個強弱對比，每一個漸強漸弱、每一個音樂表情變化、每一個分句，因為藝術歌曲的變化性極為細膩，不像歌劇詠嘆調那樣鮮明，因此音色和音質的變化和處理上就要拿捏的更為準確到位，這就要求學上在演唱時要具有較強的聲音變化和處理能力，這樣才能表現出藝術歌曲中細膩的情感和深遠的音樂意境。第四，學習和演唱德奧藝術歌曲可以使學生掌握“輕聲”的唱法。具有一定聲樂素養和聲樂理解力的人一定都有一個共同的體會，在美聲聲樂演唱中聲音唱“強”容易而唱“弱”難，能夠唱出完美的“由弱到強”和“由強到弱”更是難上加難，如果只演唱大型的歌劇詠嘆調作品可以很容易讓人唱出強音的效果，但同時也很容易使人喪失弱聲歌唱的能力。而必須指出的是，只有懂得真正的“弱”，做到真正的“弱”才能做到真正的“強”，而不具備真正能力的“弱”，也就做不到真正的“強”。而德奧藝術歌曲的情感極為細膩，情緒也更加平穩，要求演唱者要始終在一中冷靜的情緒基調中演唱，因此會有效地杜絕歌唱過度用力，從而掌握真正的輕聲演唱方式，這對于學生的聲音力度控制及表現能力來說是極為重要的。

2．學習和演唱德奧藝術歌曲能夠培養學生全面的人文素養與音樂素質

音樂從社會功能屬性的角度來講都包含審美功能和娛樂功能，不同的音樂種類有著不同的側重。流行音樂，或者通俗音樂側重娛樂功能，而歐洲古典音樂則更加側重于審美功能。也就是說歐洲古典音樂具有了更豐富的、更深厚的、更加深邃的文化性與審美性。浪漫主義音是在歐洲人文主義思潮興起的大背景下誕生和發展起來的，是浪漫主義人文思潮的直接產物，因此與以往的古典主義音樂相比具有了更加豐富的人文內涵，而德奧藝術歌曲則是浪漫主義音樂最具代表性的音樂體裁，其最鮮明的代表性體現之一就是其將音樂與優秀的人文主義詩詞相結合，具有極強的文學色彩和民族色彩，而日耳曼民族特有的理性、哲學性、嚴謹性也更加增強了這種文化的色彩，從這個角度來講德奧藝術歌曲已經突破了音樂的范疇，而更是一種文化現象或者說文化學科。因此，要想真正理解、掌握和演唱德奧藝術歌曲學生就必須要對人文主義詩詞、人文主義思想有一個全面、深入的理解、認知，同時還要具有較強的分析和詮釋能力，這樣才能在演唱中真正表現出聲樂作品的本質精神內涵和思想情感，而學生在學習和演唱德奧藝術歌曲的同時就能夠極大的增強自身的人文素養，而從整體的美聲聲樂藝術學習而言，美聲聲樂藝術本身就是一種文化、一種科學、一門學術，只有具備了深厚的人文素養和分析理解能力才能夠真正掌握美聲聲樂藝術的真諦，才能夠眼饞出純正的美聲聲樂藝術，展現美聲聲樂藝術的魅力。正如之前所提及的，從純音樂的角度來講，迄今為止，歐洲浪漫主義音樂在音樂種類、類型、風格、表現力、和聲、曲式、復調、配器等等諸多方面都堪稱人類音樂發展的當之無愧的頂峰。在其之后，雖然誕生了很多種音樂流派或音樂理念，但沒有一種能與浪漫主義音樂的音樂理論體系相提并論。當今世界上絕大多數的音樂種類或音樂流派的理論體系也都源自歐洲的古典浪漫主義音樂，可以說浪漫主義音樂是現代音樂誕生和發展的肇端，而作為浪漫主義音樂代表的德奧藝術歌曲藝術具有極為完整的音樂結構、理論體系、和聲體系、曲式類型，及任何聲樂作品種類都無法匹敵的鋼琴伴奏藝術。與器樂專業的學生相比，音樂素質一向是大多數聲樂專業學生的一個“短板”，而通過學習藝術歌曲會極大的補足這一“短板”，極大地提高學生的音樂素質，從而增強學生的音樂理解能力、詮釋能力與表現能力，從根本生提高專業水平。

篇（5）

一、題材內容的中國化

后，中國的社會、文化發生了歷史性轉折、變化：清朝的沒落、民國政府的建立；西學的長驅直入、中外文化思潮和文學藝術觀念空前沖撞、匯合，這一切豐富了藝術歌曲的題材內容，使它們既有外來文化的影響，如對白話新體詩的選用；又承繼著傳統文學藝術的血脈，如以古詩詞譜曲；同時更有大量反映時政生活的內容，顯示出獨有的中國特色。

1．古詩詞及白話新體詩的運用

藝術歌曲精巧、清麗、高雅的美學特征要求歌詞必須具備較高的文學性和藝術性。因此，中國古詩詞和白話新體詩自然成為作曲家們的首選。分析中國早期的藝術歌曲作品可以發現，很多作曲家都喜歡為古詩詞譜曲，古詩詞所具有的韻律美和高雅氣質為作曲家提供了創作的源泉，為歌曲創作的成功打下了良好的基礎。同時，在古詩詞中，作曲家又特別偏愛一些反映愛國主義思想和描寫離別思念的題材，這種偏好與當時動蕩的社會背景密切相關。外來的侵略、軍閥的混戰、政府的無能使作曲家們內心十分苦悶，他們既不滿于動蕩黑暗的時局，但又無力扭轉乾坤，因此通過古詩詞來借古喻今，宣泄情感，表達他們的憤懣、痛苦、傷感心情。如林聲翕《滿江紅》（宋·岳飛詞）、譚小麟《正氣歌》（宋·文天祥詞）等表達了愛國憂思；青主《我住長江頭》（宋·李之儀詞）、應尚能《我儂詞》（元·管道升詞）等描寫了離愁感傷；此外，也有如黃自《花非花》（唐·白居易詞）、陳田鶴《楓橋夜泊》（唐·張繼詩）一類的意境刻畫作品，表達了作曲家們對理想之境的向往。

在為古詩詞譜曲之外，選取白話新體詩入曲也是當時的一種趨勢。“五四”引發的詩界革命使得白話新體詩蓬勃興起，新詩在音韻上走出了傳統的格律韻式，顯得清新、活潑、生動。同時，新詩普遍反映了“五四”所帶來的樂觀向上、追求自由、個性解放的人文主義思想，極具時代氣息。因此，眾多作曲家都積極選取新詩譜曲以表達自身對個性解放、民主思想以及自由愛情的大膽追求。如趙元任《也是微云》（詞）、《教我如何不想他》（劉半農詞）、黃自《玫瑰三愿》（龍七詞）、《春思曲》（韋翰章詞）等。這些清雅優美的歌詞與抒情詩意的音樂渾然一體、交相輝映，浸透著中華民族的精神氣質，給人以強烈的美感。

2．現實生活的反映

中國20世紀早期，社會動蕩不安，人民生活困苦，愛國運動風起云涌。在這樣的時代背景下，藝術歌曲不可避免地打上了時代的烙印，出現了許多反映現實生活的題材。這類題材主要有兩方面內容：一是愛國題材。面對政府的昏庸無能，眾多有識之士對國家的前途命運表示了深切的擔憂，如蕭友梅《問》《南飛之雁語》、應尚能《吊吳淞》等。他們通過對現實社會的責問、對歷史事件的思考表達了鮮明的愛國思想，發人深思。同時，針對外來侵略，作曲家們號召民眾抗擊侵略者、保衛國土，如蕭友梅《“五四”紀念愛國歌》、黃自《熱血歌》《抗敵歌》等。這些作品篇幅短小、氣勢雄壯、通俗易唱、令人振奮。二為反映黑暗社會和人民痛苦生活的題材。如趙元任《賣布謠》、聶耳《鐵蹄下的歌女》、張寒暉《松花江上》、陸華柏《故鄉》等。這些作品直接反映了當時民眾的困苦生活，對他們的處境表示了深切的同情。

無論是對古詩詞、白話新體詩的運用，還是對現實生活的刻畫，20世紀早期的中國藝術歌曲都充分反映了當時的時代風貌和民眾的呼聲，體現了鮮明的時代特點和民族特色。

二、作曲手法的民族化

盡管20世紀早期不少作曲家都曾經留學歐美，系統掌握了西洋的作曲技法，但在創作藝術歌曲的過程中他們都自覺地進行了民族風格的探索，將中國的傳統音調、民族五聲調式與西洋作曲技法相結合，形成了具有明顯中國特色的、新的創作風格。

1．民族民間音調的運用

要使作品具有明顯的民族特色，最直接的辦法就是吸取民族民間音調的精華，將其運用到藝術歌曲的創作中。趙元任是早期藝術歌曲創作的代表人物之一，他創作了我國第一批具有時代特點、民族風格和較高技巧水平的藝術歌曲，其歌曲創作最重要的特點就是對“中國派”音樂語言的探索和實踐。在創作中他常將民族民間音調加以發展變化，以增加歌曲的民族性，如《教我如何不想他》中對京劇西皮原板過門進行加工，使這一富有民族特色的樂句貫穿全曲，同時以調性變化對比的方法創造性地運用了民間音樂中的“合尾”原則，既強調了“教我如何不想他”這一主題句，使人印象深刻，又形成了鮮明的民族風格。再如《賣布謠》里傳統五聲音階的運用，以及模仿無錫方言語調的旋律，再加上頗具口語特征的五拍子節奏，使整首歌曲民族韻味十分突出。同時，趙元任還經常將我國民歌、戲曲、曲藝中常見的滑音、花音、句中加腔和句尾拖腔等潤腔手法運用到藝術歌曲的創作中去（如《上山》中的滑音、《織布》中的花音等），以突出作品的民族色彩。此外，作為語言大師，趙元任尤為注意漢語言的聲調特點，將其與音樂寫作緊密結合，形成了獨特的風格：“他采用戲曲道白中仄高平低的辦法來譜曲調，風格幽雅精美”。

趙元任之后，更多的作曲家對民族民間音調進行了廣泛的采用，如張肖虎的《聲聲慢》中用富于民族風格的吟誦式的歌調，抒發了對災難家園的感傷和懷念；青主《大江東去》里運用了我國昆曲的吟唱調和江南絲竹的尾腔；賀綠汀《嘉陵江上》以漢語語調為基礎寫成的朗誦調；任光《漁光曲》中對江南民歌曲調的采用；張寒暉《松花江上》的旋律是以民間“哭墳調”音調為基礎加工而成等等。

2．中國風格的寫作手法

除運用民族民間音調外，作曲家們更在西洋作曲手法上大膽創新，使其更符合中國傳統的審美習慣。如黃自《花非花》，原詩為四句。一般情況下歐洲傳統的起、承、轉、合結構應為創作的首選，但黃自卻采用了由兩個大樂句構成的樂段結構，拉長的樂句使情緒的表達更為完整、舒展，與古詩詞悠長、連綿的情調十分吻合；同時，簡單的節奏節拍、四度模進的句法、起伏不大的旋法以及中性的調式形態更使《花非花》具有了較為濃厚的古曲風味，對原詩的情感及韻味把握得十分準確，把中國古詩詞言簡意賅的特點表現得淋漓盡致。20世紀早期的作曲家們積極探索具有我國民族特性的藝術歌曲的創作模式和規律，在長期的實踐過程中，他們逐漸拋棄了對歐洲音樂創作方式的單純模仿，從而把民族的審美習慣與西洋音樂創作的成功經驗和手段有機地結合在一起。

中國藝術歌曲產生至今已有80多年，在其發展過程中，早期的歌曲創作起到了十分重要的作用：它不僅使西洋作曲技法在中國廣為傳播，更在民族特色與西洋作曲技法的結合上進行了有益的探索，積累了豐富的經驗，為后世藝術歌曲的創作提供了現實的借鑒。尤其是早期作品中體現出來的強烈的民族風格更值得當今作曲家借鑒、采納。

參考文獻：

[1]胡天虹．20世紀20—30年代的藝術歌曲．交響,2001,2

[2]余虹．20世紀早期中國藝術歌曲的創作與演唱．交響,2004,4

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二、中國近代藝術歌曲在聲樂教學中的積極作用

（一）有助于增強學生的音樂藝術修養

近代藝術歌曲是詩歌、文學相結合的藝術產物，其歌詞多以名作詩詞為主，如唐詩、宋詞等，因此具有較高的文學價值。同時，在歌曲的二次創作中，既要從文學內容上進行理解和表達，又融入了西方音樂理論知識和作曲方法，從而營造出極富民族特色，擁有時代藝術特征的歌曲作品。在聲樂教學中，將近代藝術歌曲融入到歌唱中，讓學生能夠從歌曲的音高、節奏、調性、調式等知識上來把握歌曲的曲式結構，同時從歌詞的認知中把握文化的脈絡，從而增強學生的音樂藝術修養。如在歌曲《大江東去》中，從填詞中來理解蘇軾的《念奴嬌•赤壁懷古》，從文化、歷史等方面來體味蘇軾被貶黃州后的內心情感，從而借助于“一樽還酹江月”來寄托情思。

（二）有助于增強學生對民族歷史的深厚情感

一首歌曲與其所處的時代具有一致性，中國近代藝術歌曲同樣是歷史文化的產物，無論是歌詞創作上，還是題材的選擇上，都融入了近代藝術的歷史烙印。在聲樂教學中，借助于近代藝術歌曲的學習，從思想上來了解作品所記錄的歷史時代，用歌唱來寄托作曲家對社會、對生活的感慨。同時，作曲家所處的歷史背景與其創作風格是相關的，對于特定環境下創作的音樂作品，不僅抒發了財政的情感，更是對社會生活的反映。歌唱要從作品所處的歷史背景中，去領悟歌曲的內涵，并用情感來詮釋歌唱，從而增強愛國情懷。

（三）有助于增強學生的演唱自信，鞏固歌唱力

聲樂教學離不開心理的激勵與成長，學生在歌唱中，不僅要掌握歌唱技巧，還要從自身的心理調適上來增強歌唱能力。一方面要結合相應的曲目來發揮自身的嗓音條件；另一方面要從歌曲的調式及旋律變化中來克服自身的發聲障礙，中國近代藝術歌曲的運用，讓學生能夠從呼吸、發音、共鳴等問題中，既可以糾正咬字、吐字等缺點，又能夠在駕馭藝術歌曲過程中，激發對聲樂的學習熱情，增強歌唱的自信，從而幫助學生養成良好的發聲習慣。

（四）為聲樂教學提供豐富的歌唱教材

聲樂教育家沈湘曾指出：“呼吸是歌唱的基礎，氣息是歌唱的動力”，對于聲樂教學中的氣息控制能力的訓練是歌唱的基礎，中國近代藝術歌曲，從結構和音域上相對短小、適中，在幫助學生訓練氣息時具有較好的平穩性，特別是隨著歌唱者聲音的長短，對節奏、音調等具有較好的把控力。如蕭友梅的《問》，趙元任的《聽雨》等，都是學生進行氣息訓練的有效素材。

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作曲家在創作藝術歌曲或為藝術歌曲編配伴奏時一般會根據作品的內容、情緒、速度等要素寫作前奏，前奏是整個聲樂作品不可分割的一部分，也是聲樂歌唱者演唱前的必要準備。鋼琴伴奏的引導性角色在前奏中得以充分體現，這種引導性是多方位的，既可以是音高的預備、調性的明確、速度的提示、節奏形態的導入，也可以是歌曲情緒的醞釀。例如意大利作曲家阿•斯卡拉蒂的作品《在我的心里》四小節前奏中，前兩小節鋼琴伴奏低聲部柔美地(dolce)先現了聲樂主題旋律，使聲樂表演者內心有了主題旋律音高，后兩小節的和聲語匯是f小調II65－K64－V7–I的完滿終止，從而為歌唱者明確了作品的調式調性，如譜例1所示。另一位意大利作曲家佩里的作品《奧菲歐的祈禱》八小節的前奏盡管沒有明確的主題旋律，但鋼琴伴奏連續的和弦琶音織體充分發揮了鋼琴寬廣的音域特征，以鮮明的力度對比、豎琴般的伴奏風格將聲樂表演者自然引入“奧菲歐的歌聲在四周隱蔽的山谷里面回蕩”的作品意境，這種引導性主導角色的體現更加突出，如譜例2所示。

(二)連接性主導角色

藝術歌曲一般根據作品的內容按照一定的曲式結構進行陳述、展開與對比，這些曲式結構常見的有一部曲式(A)、二部曲式(AB)以及帶再現的部曲式(ABA)等。作曲家通常在二部曲式或部曲式內部形成對比的A、B兩個結構之間設計間奏，間奏既是前段音樂的某種補充，又是對后面音樂主題形象的醞釀，具有承前啟后的作用。在間奏中，鋼琴伴奏主要通過速度的變化、調性的過渡與伴奏織體的轉換等手段扮演其連接性的主導角色。如作曲家加斯帕里尼創作的世俗康塔塔《不可能放棄愛情》采用了(ABA)的部曲式結構，作品的中部(B)通過速度和調式的對比，表達了對愛情的執著。鋼琴伴奏在中部(B)與再現部(A)之間巧妙的運用了四小節的間奏，形成了對比之后的連接與回歸，從而使演唱者從調式與速度上再現作品的首段，如譜例3所示。

()補充性主導角色

在聲樂表演實踐中，我們經常看到這樣一幕情景，即聲樂演唱者的歌聲結束之后，鋼琴伴奏者還在十分投入地繼續演奏著，這在作品結構上一般稱為尾奏或尾聲。尾奏是對整個作品的一種補充、概括和總結，也是藝術歌曲表演十分重要的一個部分。如弗雷斯科巴迪的抒情歌曲《當溫柔的微風》在聲樂表演者漸弱的歌聲結束之后，鋼琴伴奏高聲部分解八度音型以更弱(pp)的力度對歌聲進行了完美補充，恰似歌詞所描繪的意境:“當溫柔的微風把大地吹遍，鮮艷的玫瑰就露笑臉;清涼的樹蔭連成一片，再也不害怕烈日炎炎;仙女的微笑，把嚴酷的熱浪通通趕跑……”如譜例4所示。

(四)獨立性主導角色

隨著藝術歌曲的不斷發展，作曲家們對藝術歌曲的鋼琴伴奏寫作也進行了深入探索與大膽創新，使鋼琴伴奏與聲樂表演合作的同時也具備了獨立表現音樂的功能和作用。焦•巴•波龍奇尼的作品《愛慕你，我多么榮幸》中，內容相同的前奏、間奏、尾聲除了對歌聲的引入，段落的連接，結束的補充之外，本身也具有獨立的音樂表現作用。其音樂材料來自聲樂作品的首段，高音部呈現聲樂演唱的首段主題旋律，和聲功能具有典型的S－D－T的完滿終止，等等這些充分顯示了鋼琴伴奏在這部作品中的獨立結構意義，如譜例5所示。無獨有偶，作曲家洛蒂《請告訴我》設計了大規模的前奏，以終止四六和弦－屬七和弦－主和弦的和聲序進形成了完滿終止。毋庸置疑，鋼琴伴奏在這里不僅僅是引導性的角色，其長達17小節的規模，相對獨立的曲式結構，較為完整的音樂語言已經足夠向聽眾展現作品的主題形象。

二、鋼琴伴奏的陪襯角色

鋼琴伴奏的陪襯角色主要體現在鋼琴伴奏作為人聲的配合者，通過各種音樂語言形式襯托人聲，描繪意境，對比形象等，這在17、18世紀意大利古典藝術歌曲中尤為多見。

(一)烘托性陪襯角色

鋼琴伴奏的烘托性表現有多種方式與手段。如意大利作曲家巴薩尼創作的《安睡吧，安睡吧》，在四四拍的首段中，主題旋律平穩舒緩，鋼琴伴奏采用了安靜的柱式和弦持續進行，整個八小節的樂段和聲節奏平靜松弛，唯恐“沉睡的人兒從夢境中驚醒”。在表演時，鋼琴伴奏應隨著恬靜的歌聲，以輕柔的觸鍵、較弱的力度營造出安詳與寧靜的和聲背景，如譜例6所示。這種烘托性陪襯角色在意大利作曲家蒙泰韋爾迪創作的《讓我去死亡》中也有充分體現，作品中鋼琴伴奏的柱式和弦織體貫穿始終，和聲的高音部一直附和著聲樂歌唱者的主題旋律，在沉重的慢板中吟唱著“阿里亞娜”被忒修斯拋棄后的悲歌，戲劇性地刻畫出主人公悲痛欲絕的心情。

(二)對比性陪襯角色

除了使用與聲樂主題旋律統一和諧的和聲背景進行烘托之外，意大利古典藝術歌曲的作曲家們秉承文藝復興和巴洛克創作風格，在鋼琴伴奏寫作中常常使用豐富的復調技法。復調技法的運用不但為這些作品打上了深深的時代烙印，更使得作品的音響效果呈現出豐滿的立體感，加強了聲樂與伴奏的對比度，在聽覺上具有豐富而華麗的美學價值［2］。阿•斯卡拉蒂的作品《紫羅蘭》就是藝術歌曲中鋼琴伴奏復調手法的典范，作品運用嫻熟的復調手法形成了鋼琴伴奏與歌聲的動靜結合，互為補充，宛如紫羅蘭花若隱若現于綠葉間的婀娜姿態，也使人們腦海中浮現出一個紫羅蘭般“含露帶珠”嫻靜、羞澀的少女形象，如譜例7所示。

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二、曲式結構分析

“酒是無形五體的流液，沒有器皿，就無法體現出造型的美;而音樂也是無形無體的流動的音符組合起來的，因而曲式之于音樂就猶如瓶之酒”。這首作品看似篇幅較長，但結構卻簡單明了，也是曲作家邏輯性和創作技法的體現之一。作品為單二部曲式，12小節的前奏引出主題，A部分是主體部分共28小節，前16小節以中速為情感的鋪墊埋下伏筆;采用“起承轉合”的寫作手法且運用弱起、大切分、跨小節長音等給人平穩、舒展的感覺。28小節在保持A部分的基礎上采用模進、音區的跨度起伏等手法使樂思進一步發展推動。B部分(48-70小節)是歌曲部分。兩次八度大跳將情感推向，抒發出撥打的真愛和堅貞的信念。間奏部分作為一個獨立的段落讓聽眾的情緒回歸，繼而重復A段和B段。

三、演唱特點及藝術處理

(一)演唱特點分析

1、演唱方法的“中西結合”。這首作品自第九屆全軍文藝匯演獲獎以來，在國內重大歌唱賽事中頻頻亮相。青年歌唱家及參賽選手中既有民族唱法的，也有美聲唱法的。在不同唱法下此首作品均榮獲大獎。如：青年歌唱家張妮以此作品參加美聲組，金婷婷以此首作品參加民族組等，多元化的創作手段是這首作品在傳播和運用上更突顯其價值。因此在演唱上也需要中西合璧。

2、歌唱語言的把握。聲樂藝術是音樂藝術中音樂與人類自然語言結合的唯一形式，是音樂化的語言藝術。語言在歌曲演唱中起著至關重要的作用，語感是樂感的基礎，而樂感又為語感的發揮增強了表現力。在演唱這首作品時，首先要朗誦歌詞，注音仔細練讀。其次分句有感情的高位置朗讀，帶入歌唱。句首音區較低，在實際演唱中既可以采用通俗化語氣演唱的，也可以采用胸聲較多的演唱方法。無論采用何種唱法，都需要語言純正，發音清晰，字正腔圓。如“口”、“歲”、“柔”“頭”等中低聲區字尾要求清楚，避免“倒字”造成喉音，此外還要注意“歸韻”，不能一味的追求情感的處理和音色的對比而弱化了對字尾歸韻，切實的做到“字正腔圓”。

3、氣息的控制及聲音線條的把握。“善歌者，必先調其氣”，毋庸置疑，氣息的運用在聲樂演唱中極其重要。《我的深情為你守候》聲區跨度較大，自然聲區的呼吸狀態需要放松自然，通過旋律的推動，在呼吸上適度地調整。中低聲區可采用嘆氣訴說的感覺讓聲音落在實處，同時保持位置。語氣上也要和呼吸相配合，過于松將會導致“漏氣”、“沙啞”，過于緊容易出現位置低，聲音擠卡的現象，故氣息的控制尤其重要。中高聲區氣息需要始終保持在腰腹之間，吸氣要更深，采取胸腹式聯合呼吸的方式。高聲區的抒情部分演唱時要把握“度”的原則，氣息控制要像絲帶一樣，隨著旋律線條流動，始終保持動力。尤其是b2“地”這個字，節拍較長，演唱時需要更穩定的氣息支持，表現出堅定的信念，同時咬字要有力度，不能含糊不清。這樣才能使聲音保持張力和穿透力，真正達到“余音繚繞”的歌唱境界。跌宕之后，又回到“我的深情，為你守候，我的深情為你守候”這三句在音樂上漸弱漸慢，氣息需保持沉穩使情緒穩定下來，重新回到主題的基調，給人以穩定感。

(二)藝術處理分析

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獨唱藝術同所有音樂作品一樣，要依靠歌唱者或演奏者根據詞曲作家的作品進行再創造。要演唱好一首歌，演唱者首先要了解詞、曲作家創作時所依據的時代背景、社會生活和詞、曲作家的生平及世界觀等，再從作品的創作意圖、主題思想、風格特點出發，對作品的內涵進行反復的、認真的分析和深刻的理解，在頭腦中構筑一個完整的、準確的音樂形象，并且使自己的情感、情緒與作品完全融合在一起之后，才能對作品進行二度創作，才能較完美地表現歌曲的感情和意境。

一、“聲”與“情”的處理

聲樂技巧隨著時代的發展而發展，從某種意義上來說，人的聲音是一種手段，也是一種特別的工具。以“聲”表“情”，唱“情”才是目的。所以有人說以“情”帶“聲”，“聲”為“情”役，從而使“聲”“情”并茂。

但是，是唱“情”還是唱“聲”，又是聲樂界歷來爭論的一個美學問題，也許這就是促使聲樂發展的兩個側面吧！唐代詩人白居易的詩句“古人唱歌兼唱情，今人唱歌唯唱聲”，概括地反映了這種爭論，同時也表明了作者對唱“情”和唱“聲”的褒貶。

唱歌要靠歌喉發出聲音，即運用歌聲來表達某些特定的情緒。在唱“情”和唱“聲”的問題上，“聲情并茂”加上“情景交融”是演唱者追求的高度境界，這是聲、情表達的統一；如果聲中無情或少情，或是有的人想顯示他（她）的某些低音或高音，或者某些豐滿、響亮的聲音而脫離具體的歌曲內涵，這些就是聲、情表達的矛盾。

一個聲樂演唱者掌握發聲的全部技巧，它的目的只是為了如何完美地表現歌曲內容，好的發聲方法只是為了完整體現歌曲的一個手段，而不是目的。作為一個有可能成為專業聲樂工作者的人來說，對“聲為情役”這個道理是不能偏廢的。“情”（有的還包括一定的“景”），它可以包括時代的特點、民族特征、社會性質、人物性格、思想感情、生活情趣等等，也許還包括經演唱者精雕細琢后比原作規定和設想的還多還深的精華。掌握住嫻熟的聲樂技巧能夠保證歌唱藝術的表演無后顧之憂，而加強在藝術上各方面的修養，就能充分地運用聲樂技巧，豐滿地、恰到好處地完成預期的演唱任務。當然，這需要演唱者的思想高度、生活體驗和藝術修養，包括技藝功力和表演才能有很深的造詣為前提。如果發聲技巧掌握不好，基本功不扎實，音色不好聽，音域不夠寬廣，不能控制有素，駕馭自如，即使他對歌曲的內涵理解得很深、思想表達處理得很好，歌唱也只能是做到有“味”，不可能達到聲情并茂的藝術效果。

作為學習聲樂的學生，掌握技巧的能力有大、小、高、低之分，要掌握全部高難的聲樂技巧雖說是每一個聲樂學生努力追求的目標，但畢竟是有某種限度。在藝術上，大都各有所長，也會各有所短，有的學生聲樂技巧掌握得可能不錯，但有可能在藝術表現上卻相差很遠，例如唱歌沒有感情，只是把音符、節奏、歌詞等十分表面化的東西唱了出來，音樂的內涵就無法表現出來。就像烹調一樣，同樣的東西和調料因為火候和時間掌握不一樣，味道卻不同是一個道理。因此，我們應該腳踏實地、實事求是地既重視聲樂技巧的基本功訓練，又要不斷分析自己技藝上的優缺點，努力提高自己的藝術修養，在藝術表現上多磨礪自己，發揚長處又要有新的攀登。

二、感情的進行與休止的處理

歌唱是表述感情的。我們上面所提到的“以情帶聲，聲情并茂”已經成了聲樂界熟知的原則，但聲音未開始前和停頓后，感情的狀態又如何呢？通常我們在表述一件事情的時候，頭腦中都會有一個清晰的思路，然后才能完整地表達出來，除非有突然的事情打斷了談話。歌唱是一樣的道理，感情應比聲音先現又比聲音晚收，這種感情先現和延留是以情帶聲的自然結果。大家都聽過講故事，筆者想大家在聽的時候，都會隨著故事情節的起伏，情感也會有很大波動。歌唱也是一樣，感情先現和延留的長短隨句子的語勢、情感的強烈程度的不同而變化。如舒伯特的《魔王》，從魔王引誘孩子的唱段結束，轉入孩子驚恐地呼叫，因情景人物完全改變，同時感情也很強烈，必然需要較強的感情先現。孩子的唱結束于問話：“那魔王低頭對我說什么？”音樂的傾向性很強，感情的慣性也較強，必然有較強的感情延留。在父親安慰孩子的唱中，表露出的是強作鎮靜以及盡量給孩子安慰解除他的緊張，所以在唱完“我兒，我兒，我完全看清”，轉入“那只是些柳樹的灰色陰影”之前，因為情緒波動不大，不需要太強的感情先現，也沒必要較長的感情延留。

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音樂藝術是人類社會的文化現象，是音樂家對社會生活的體驗和情感表現的藝術形式。歌曲是音樂創作的一種體裁，它具有音樂旋律與文學語言相結合的藝術特點。兒童歌曲是歌曲的種類之一，其年齡對象、形象生動、情感純真、活潑童趣是兒童歌曲的基本特征；兒童歌曲對于兒童美感的培養，以及身心的健康成長有著不可替代的意義。筆者結合多年來對兒童歌曲創作的體驗和感悟，擬就兒童歌曲《心連心手拉手》（蘇韶芬詞彭超陶波曲）①的創作為例，對兒童歌曲創作中的主題動機、旋律發展、節奏設計、樂段安排四個維度的藝術特點談一些看法。

一、兒童歌曲創作中主題動機的選材特點

歌曲創作中的主題動機是表達樂思內容的最小單位，也被稱為樂匯。是體現清晰的性格面貌、鮮明而富有表現力的樂思，更是塑造音樂形象、表達情感的基礎。為此，歌曲創作的成功與否及風格突顯，往往取決于主題動機的選材。在兒童歌曲的創作中捕捉特點鮮明、富有兒童個性的動機音型作為創作的基礎，是創作一首兒童歌曲成功的關鍵。

《心連心手拉手》是一首活潑、歡快、極富特點的童聲二部合唱歌曲。全曲為二段體結構，共二十四小節，F大調，4/4拍。在該歌曲創作時，作者緊緊抓住活潑、歡快這一基本情緒為主線，在主題動機的選擇與應用上，采用大調主三和弦的五音開頭，同音重復并以二度級進和下行四度跳進到主三和弦的五音，構成該歌曲極富動感和充滿朝氣的兒童音樂特點。隨著旋律的不斷重復與推進發展，兒童的心境表達更為突出。由于第一樂句的主導動機（55·555）是以主調主和弦為起句而成，因此在第二樂句動機的發展中形成下屬和弦向屬和弦、主和弦三音的模進重復，而且在音程跳進安排上緊緊圍繞第一主導動機樂句來發展進行。在全曲二十四小節中，重復交替出現歌曲的動機音型，并且以音程的跳進手法，為主導動機的音型發展起到積極的推進作用。

二、兒童歌曲創作中旋律發展手法的應用

在兒童歌曲創作中，旋律發展手法的應用是創作中重要的一個環節。著名作曲家龔耀年就兒童歌曲主題的發展手法談道：“旋律的發展還應根據內容需要和結構特點（如樂思的啟示、發展、對置、變形……）來考慮如何將主題深化、有層次有規律地展開。”“決不能東拼西湊，試圖在一首歌內把什么手法都用上，應該使材料盡量節省、手法力求精練。”②

《心連心手拉手》的主導動機創作是依托在F大調主三和弦的五音上，并且經過旋律的模進重復手法的應用，結合音程三、四、六度跳進支撐音型發展，使旋律與歌詞的語意十分貼切地表現出來，讓歌曲形象的塑造更為鮮活。筆者在創作該歌曲作品時，注意到主、屬、下屬和弦的分解應用，盡可能考慮到以和聲功能和多聲部思維的創作基本手法，簡單明了地將旋律主導動機音型，通過sol、la、fa、re、do這些骨干音，變化重復形成一個主導動機發展連環圈，讓動機音型在對比中有新意，在色彩的變換中突顯兒童特點。簡潔、明快的旋律發展把天真無邪、童趣稚嫩的兒童形象，較為生動地表達出來。

三、兒童歌曲創作中節奏的設計與變化

要創作好一首兒童歌曲，對節奏的設計與變化應有考究，還必須有獨特的個性變化。筆者在創作《心連心手拉手》時，就十分注意到節奏的個性化設計，從作品的節奏分析來看，其主導動機的展開和旋律的模進變化，似乎給人感覺到簡單，但仔細推敲不難看出，它卻有著細微的節奏對比變化。如：

4/4××·×××|××××-|××·×××|××××-|

陽光和大地手拉手，星星和夜空手拉手，

××·×××|××××-|××·×××|0×××-|

青山和綠水手拉手，江河和大海手拉手。

從譜例的節奏設計中可以看到：附點節奏、切分節奏、帶休止的切分節奏為支撐整個作品的基本節奏框架，那么，它的節奏特點在于積極向上、動感極強，附點節奏和切分節奏的應用也是更好地突出歌詞的語意內涵，更夸張地強調“手拉手”的節奏重音。

四、兒童歌曲創作中樂段的巧妙安排

樂段的安排在兒童歌曲創作中尤為重要。兒童歌曲在創作中，樂段的安排應該是以歌詞的段落設計為基準。由于兒童歌曲是以兒童為對象來創作的，誠然，在樂段的設計上應給予巧妙的安排。

《心連心手拉手》這首作品從歌詞的句式、段落上分析，它為二段體結構形式。一般的句式結構為起、承、轉、合四句式的單段體構成。該作品的第一段也就是這一類的設置，由四個句子組成，每一個句子為對稱式方整性結構。筆者在處理第一樂段時，刻意在第八小節的第三拍上落在調式的主音上，形成終止式段落感，產生極其穩定的音樂效果。由于歌詞作者力圖從寫意的手法去突出表現人與大自然的親近、和諧關系，因此筆者在樂段的安排上巧妙地進行了設置，更能夠準確地傳遞出人世間的真情所在。特別是第二段將這種親近、和諧的意境更好地表現和升華，筆者有心讓該段落的詞語重復進行，并巧妙安排在屬和弦上形成半終止式，產生出對比與變化的音響質感。

綜上所言，兒童歌曲的創作是一項十分有意義的工作，也是富有挑戰性的創造性活動，只要堅持不懈，勤于思考，深入兒童的生活，不斷探究兒童歌曲創作的藝術特點，掌握更新的兒童歌曲表現手法，即能創作出更多的適合兒童的優秀歌曲。

注釋：

①蘇韶芬詞，彭超，陶波曲.心連心手拉手.兒童音樂，中國音樂家協會雜志社，2005年第2期，第9頁.

②龔耀年著.兒童歌曲作法.中國文聯出版社，2000年7月第1版，第32頁.

參考文獻:

[1]龔耀年著.兒童歌曲作法.中國文聯出版社，2000年7月第1版.

[2]方智諾編著.歌曲分析與寫作.西南師范大學出版社，2000年11月第1版.

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中圖分類號：J524 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125(2016)02-0134-02

一、藝術的發展

在中國改革開放之后的歲月里，我們的生產技術不斷提高，生活水平不斷完善，物質生活的需求已經無法滿足人們日益增長的需要，將更加多的注意力加在精神文明的富足之上。在這種歷史條件的催促下，我國的藝術設計漸漸步入了一個改革開放的新紀元，有了質的飛躍。主要體現在藝術設計思想的解放、藝術設計理論的豐富、藝術設計理論領域的擴大、藝術設計的創新精神不斷樹立上。這一切的活躍表現使得我國藝術設計空前繁榮，學科的規模和規格不斷提高，學生人數不斷突破歷史新高，藝術生的水平也在不斷的上升，為我國的設計事業發展輸入了新鮮的血液[1]。同西方相比，我國的藝術設計發展歷史非常短暫，二者存在較大差異，使得西方的藝術設計很難融入到中國，而中國的藝術設計理論也很難得到西方藝術設計中的地位。因此，我國可以發展的潛力非常的大，藝術設計的道路還有很長的路要走，等著我們去探尋。總結藝術設計的過程、理論特征及其觀念的認識，完善我國藝術設計體系特征，為理論研究和應用領域提供新的道路和方向正是我們正在走的路。

二、新的趨勢

“新的設計理想的實現首先在于對現實的反思，只有反思才能痛定思痛，調整尋求的目標”[2]隨著我國的改革開放大顯成績,技術與科技的創新發展使得藝術設計走進普通人的生活中，所有的事物方方面面都已經和藝術設計融為一體，藝術設計在我們現實生活中隨處可見比比皆是。藝術設計是為了滿足人們日益增長的無知的需求，為了一目的時刻的服務人民大眾。人民的物質生活變得越來越豐富、舒適和便利了，但量的豐富不代表制得豐富[3]，技術是不斷的提高。可是人們一味的尋求技術的提高，而忽視了藝術，藝術的本質是人性而不是技術。個性能被這樣慢慢的埋沒，我們要保證我們的藝術內涵不斷的發展和傳承。藝術是我們永遠執著的追求，尋求藝術精神在現在設計上的體現是我們的目標。通過藝術設計在中國二十多年的發展，我國的設計出現了很多急功近利的平庸之作，對于西方藝術語言的復制和模仿不斷的出現，導致這種“重復”對我國的設計發展毫無意義。多數人打著“全球化”的口號對西方設計進行模仿，把自身擁有的民族性和地方性的優勢拋開腦后，生硬的設計一些國際化的東西。藝術需要站在自己民族性和地方性的特征上出發，發掘自身的特點與眾不同之處，立于特別之處尋找個性。在全球化的大流之下占有一席之地，取決于設計者們創造源泉在自身的時代和文化大背景之下接受和轉化設計源泉的能力。全球化為設計師提供了一個很大的平臺交流資源信息，在結合世界文化同時融入自身民族性和地方性的個性因素，形成獨特的設計體系，這就是對的發展。21世紀的主流是綠色設計。綠色設計是當今世界的一大主題。全球出現的大規模污染影響已經讓人類心存膽怯，對于綠色問題越來越重視。這是人與自然和社會結合的一個設計問題，讓這些因素和諧結合在一起，讓人考慮綠色環保的問題同時貫徹綠色體系，在生產、包裝、材料和設計上都考慮到綠色環保。給人們帶來一種新的生活體驗，因為在一起生產發展的同時消耗和破壞了很多賴以身存的資源，要為設計的責任和作用考慮。擺脫掉無限制的消耗，走綠色設計體系。這不只是一種技術層面上的考慮，而是從設計的根源人的角度，不局限在設計形象和功能上，給人帶來一種精神上的體驗和改變，改變人們之前錯誤的消費觀念。以綠色保護環境為目標，傳遞正能量。改革開放以來的成功，給人們的生活帶來的變化有目共睹。新時代的需要就是走中國特色的社會主義道路，為了貫徹這一歷史革命使命，更加不能忘記我們的民族精神。把我們的民族精神和本土的文化精神融入到藝術設計當中去，以獨特的民族面貌出現在世界的舞臺上，把中國設計和中國制造的東西變成一種特色，一直是我們的理想。只有民族的，才是世界的。在國際競爭中磨滅掉自己的特征是不明智的，是短見的。從文化上看特色和個性是屹立于世界之林的重點，失去了自己的文化重心和文化特色會存在很大問題。我們需要一個全球化的視角，還需要一個理性的思維和胸懷，把自身的個性較好審視，將本土和世界的東西相互結合，將達到新的提高和轉變。

三、我國藝術設計的現狀和弊端

我國的藝術設計在時代的大背景之下在尋找自己的道路。這條道路需要我們去摸索，我們之前從未有經歷過這樣的時期。在堅持民族性、地方性和個性的同時遵循全球化的大時展趨勢，把獨特的文化內涵資源和全球化共享資源結合，形成一個獨立的設計體系。與此同時計算機對于藝術設計的影響越來越明顯。藝術設計的發展于計算機的技術息息相關，藝術設計必須吸收其他科學技術的最新成果發展自己，從而更好的達到服務人民大眾的宗旨。數字圖像技術為自身的發展帶來了空前的發展和設計技術上的革新，引發了設計思維和設計理念的改變，靈活運用電腦技術才能為藝術設計帶來顯著的設計效果，才能完成賦予藝術設計的使命。電腦對于藝術設計的工具有非常的快捷和便利，給設計者的資源越來越豐富，使設計者們減少很多不必要的制作的時間，大大提高了工作的效率。同時電腦效果帶來了現實生活中不可能存在的科學效果，為藝術設計的創新思路提供了非常卓越的好處，這一場對于藝術設計的革命，技術與藝術的輝煌合作成果。但是就當下來說，在我們對于科學技術帶來便利竊喜的時候，弊端也漸漸的顯現出來了。由于電腦給于藝術設計帶來的便利使越來越多的人追求廣泛性和群眾性，大多人認為掌握了電腦技術就可以完成藝術設計了的錯誤觀點。技術只是輔助設計者作圖的工具。有些人過于看重利益的效果，而追求商業上的效果，藝術設計變得越來越生硬、缺乏美感或者是單調面目雷同，這就是缺乏藝術修養和藝術語言的結果。因此，我們應該做的就是運用成熟的電腦技術幫助我們完成藝術設計，靈活運用藝術設計中應該擁有的視覺藝術美感和視覺藝術語言來傳達設計表達的東西。電腦只是一個手段和工具，視覺藝術語言才是我們應該遵循的藝術真諦而非電腦技術。不斷豐富自身的藝術修養的高度，從基本的手稿就開始不斷完善自己，不能從設計的開始就完全依賴電腦，筆桿才是我們設計的靈魂，我們永遠是藝術家而不是一個電腦操作者。現代藝術設計的內涵非常的豐富，我國的藝術設計道路才經歷了很多的時間考驗，全面總結中我國的藝術設計發展現狀和趨勢還需要大量的參考來繼續思考。我國的現代藝術設計還是一個年輕的產業。21世紀應該怎么走，在世界浪潮中走出中國風是我們年輕一代藝術設計者們的責任和使命。我們的時代需要我們攜手共進，跟進時代的步伐，順應社會需要的腳步，為中國藝術設計走向世界而共同努力[4]！

參考文獻：

[1]童宜潔.改革開放以來我國藝術設計的發展特征研究[D].武漢：武漢理工大學，2012.