緒論：寫作既是個人情感的抒發，也是對學術真理的探索，歡迎閱讀由發表云整理的11篇水墨藝術論文范文，希望它們能為您的寫作提供參考和啟發。

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1.2水墨元素中蘊含的文化特性迎合海報設計的發展需要隨著社會的進步和科技的快速發展，東西方文化的交流和融合，使設計師突破常規，他們在注重傳達信息的同時，更加注重富有創意的設計和對傳統文化的發掘。水墨藝術中的創作者們從沒停止過對和諧的藝術境界的追求，這種境界是一種心靈與自然的完美結合。創作者們對水墨元素進行不同的重組和搭配，濃縮成具有代表性的標記和符號象征，來表現不同的設計主題。不同的是，海報是運用帶有鮮明現代化特色的元素，而水墨畫是運用傳統風韻的色彩，這種表現更加單純直擊人心，因此現代設計師更加傾向于用一種中國式的符號模式來表達整體的精神世界。同時將現代化的符號轉化為傳統的水墨元素，這對水墨畫本身也是一種突破和創新，這樣的設計符合現代人們的審美品位，又不失中華民族傳統文化藝術的韻味。

1.3開辟了傳統文化與現代設計理念相結合的新紀元海報與水墨畫的完美結合，也為后代的設計師們提供了一個借鑒，讓他們可以在此基礎上創造出更多傳統與現代結合的設計風格，使中國千年文化藝術符號得以重生與弘揚。在現代社會中，設計師拘泥于傳統的設計技法已經遠不能滿足這個時代的發展要求，因此我們需要把傳統的文化和思想當成一個巨大的資源庫，在實踐中靈活運用和提煉其中精華的部分，創造出一種新的藝術設計風格。但不能只拘泥于本土文化的現代化，也需要學習外來文化的現代化風格，確定中國設計文化的定位，才能賦予海報設計新的內涵與意義。

2中國水墨藝術在海報設計中的運用分析

2.1對水墨元素直接運用直接運用就是不改變水墨畫的表現形式，把水墨藝術的元素放到整個海報中，這個“鶴云”的景德鎮陶瓷廣告就是直接運用了水墨元素，把一整幅水墨畫作為整個背景，襯托出景德鎮茶杯的悠遠古雅，茶杯融于水墨畫中，既和諧又獨特，這是水墨藝術的獨特魅力與景德鎮茶杯獨特的中國民窯工藝相結合后碰撞出來的完美畫面，讓人印象深刻。海報最初只是為了傳達某種信息而出現的一種信息傳播手段，但是由于水墨元素在海報中的運用和變革，這無疑給單調的海報設計帶來一種新的生命活力，讓本來商業化的海報有了一絲文化底蘊的沉淀。讓它有了一種新的表達方式，并且從這種表達方式中衍生出更多不同以往的設計風格。

2.2古典元素在現代海報中的創新運用對水墨藝術這一傳統文化的解讀使得當代設計師從中得到許多啟發和借鑒，將現代的審美意識和古典的藝術手法運用到海報中，形成了具有中華民族特色的創新時尚設計。把水墨藝術中的某些主要特點和藝術手法加以變換，如圖2泰山地產集團的廣告海報，就是運用了水墨畫中的留白（圖2為泰山地產海報廣告）。手法，兩條鯉魚本來應該是在水中游動，可是它偏偏沒畫水，而是用一大片空白來表現，使畫面不至于顯得擁擠和繁復，符合該廣告所要表達的關于該住所“親水親自然”以及優雅格調的主旨。水墨藝術有著一段悠久的歷史，承載著中華民族的傳統文化和思想，而海報則是現代商業文化衍生出來的一種現代化的廣告形式。這兩者結合的表現手法也給了受眾一種新穎的視覺享受。這種變幻表現形式的設計風格，在運用水墨元素的同時又在其中添加了現代化的設計元素，對它做了細微的處理，變得更具有新鮮活力。這種創新性運用，讓具有濃厚現代色彩的商業海報吹起了一股返璞歸真的民族之風。

2.3突破傳統海報的商業化束縛設計師順應時代要求，把中國傳統的水墨藝術融入到海報設計中，既能引起消費者心理的共鳴，又能提升中國本土文化在大眾心中的形象，而且由于水墨元素的運用，使海報原本的商業性也不再明顯，加深了海報內在的思想性和藝術性。對水墨藝術元素這一千年文化符號的重新解讀，使得當代設計師從中得到許多有益的啟發和借鑒，并對其古為今用、推陳出新、將現代審美意識完美地融入到當代海報設計中，形成一個具有本土文化特色的時尚創新設計。2010年意爾康春夏品牌會的海報，隨意的水墨線條，勾勒出運動人物，表現出運動的力量和樂趣，表現出中國水墨畫形神兼備的特點，或深或淺的墨色中，可以感受到中國水墨藝術的自然、和諧、簡約。讓原本商業化的海報變得具有藝術色彩和思考價值，水墨畫帶給海報的不僅僅是它古典傳統的藝術特色，還有它意蘊深遠的思想內涵，讓人們在感受到海報畫面美好的同時也增加了對海報內涵的思索，這也是一種變相淡化商業氣息的手段，更易被大眾所接受。

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隨著高校的擴招效應持續釋放及畢業生就業壓力持續上漲，本科畢業論文質量走低成為不爭的事實。如何在畢業設計指導環節提升論文學術水平、提高指導成效，成為保障本科教學順利進行和優秀人才培養目標下亟待解決的問題。本文結合近幾年農林經濟管理專業本科畢業論文指導的經驗，在領導生命周期理論的框架內，從師生畢業論文指導管理情境的角度，對以上問題進行探索分析。

1領導生命周期理論應用于畢業論文指導的可能性與必要性

1.1畢業論文指導符合領導情境，為理論的應用提供了可能性

（1）領導內涵角度。一方面，指導教師作為領導者，必須有學生（被領導者）的追隨，若無學生的密切配合，則這一管理情境毫無效率可言；另一方面，指導教師擁有影響學生撰寫畢業設計行為的能力，如教師擁有教學環節賦予的制度權力指揮學生開展畢業設計工作，教師因在科研工作方面的知識、技能和經驗方面的優勢而產生的專長權力能為學生畢業設計指明方向，教師在教學過程中表現出的為人師表、優秀的道德、人格魅力等感召權力。（2）領導作用角度。畢業論文指導工作中，師生雙方的互動模式也是符合領導情境的。首先，教師須發揮指揮作用，通過其專業素養判斷每個研究主題的畢業設計方向，結合不同學生的特性設計出合理的培養方案；其次，教師還應發揮協調作用，形成團結互助的合作團隊，還要為學生的數據搜集、調查研究等協調校內及社會資源；再次，教師在此過程中還需發揮激勵作用，以保證畢業設計中學生全過程積極進取的動力。

1.2畢業論文指導的工作特性印證了理論應用的必要性

（1）畢業論文指導中主體的重要性。學生與教師作為畢業論文教學環節中最為重要與關鍵的兩大主體，學生為當然主體，在畢業設計指導過程中處于核心主體地位，而教師則是應然主體，應承擔起主導作用，領導的生命周期理論恰好能將這兩大關鍵主體納入同一框架開展情境研究。（2）畢業論文指導對象能力提升的漸進性。領導的權變理論中，生命周期理論所關注的最重要的權變因素為被領導者的成熟度。在畢業論文指導過程中，學生的科研能力與論文撰寫技巧并不是一蹴而就的，而是在平時的學習與積累中、在指導教師的輔助下，逐步形成與提高的。這一分化、漸進的過程，正好需要領導生命周期理論加以分析。（3）畢業論文指導情境的多樣性。在畢業論文指導環節，不同學生的知識儲備、能力素養、寫作意愿、配合程度都是不一樣的，因而領導生命周期理論不僅能貼合畢業論文指導實際情況，而且能針對不同指導情境進行區分式管理，實現指導效能的提升。

2畢業論文指導方式范式解析

2.1畢業論文指導方式劃分依據

按照工作行為和關系行為這兩大領導維度，分別各自冠以“高”和“低”兩個層次，組合形成了四種截然不同的畢業論文指導方式，如圖1的上半部分所示。其中，工作行為這一維度主要考察的是指導方式在多大程度上以工作為中心，界定自己與學生的工作任務及角色，以完成教學目標。而關系行為這一維度主要衡量的是指導方式，關心和尊重學生情緒與意愿，并建立相互信任的指導關系的程度。

2.2四種不同畢業論文指導方式

（1）命令型指導方式（高工作行為—低關系行為）。這種論文指導方式決策權集于教師一身，由指導教師進行師生雙方的角色分類，指導過程中偏重于工作行為，即注意力放在畢業論文本身。圍繞該工作，教師將嚴格按照規章制度及相關要求，對學生的畢業設計進行任務分解與指揮，采用單向溝通的方式，對學生進行具體而明確的指導。（2）說服型指導方式（高工作行為—高關系行為）。在這種指導方式下，高工作行為意味著教師要對其學生進行畢業論文撰寫方面的詳細指導。除此之外，高關系行為意味著教師也要重視與學生的溝通。創造相對輕松指導氛圍的同時，雙向溝通使得學生更能在心理上接受并領會教師的指導意向。（3）參與型指導方式（低工作行為—高關系行為）。此類指導方式要求指導教師較少進行命令式指揮，取而代之的是與學生雙向溝通并提升學生自主決策權。教師是以參與者的身份對學生進行指導，期間發揮的主要作用就是促進畢業論文工作的推進與溝通。（4）授權型指導方式（低工作行為—低關系行為）。教師對學生畢業論文的任務分解與敦促工作將不會以更為具體而細致的形式出現，同時，師生間僅就需要的問題進行探討，否則在畢業論文撰寫期間，學生將是整個教學環節中真正的實然主體，教師的授權式管理方式會促使學生自主完成任務。

3畢業論文指導情境類型的判別及其表現形式

根據領導生命周期理論，本文將畢業論文指導對象——準畢業生的科研成熟度定義為：學生個體配合教師畢業論文指導工作、對畢業論文撰寫的行為負責任的能力與意愿。

3.1情境判別的權變因素分析

據領導生命周期理論的指導，學生的科研成熟度被進一步分解為工作成熟度與心理成熟度這兩大要素。工作成熟度度量的是學生的知識儲備、寫作能力、綜合技能等方面；心理成熟度指的是學生配合教師指導工作、主動投身畢業論文撰寫的意愿與動機。這兩大要素各有高和低兩個層次，組合形成了以下四種截然不同的學生成熟度階段（即四種領導情境），具體如圖1的下半部分所示。

3.2畢業論文指導對象科研成熟度的四個階段

（1）第一階段（不成熟階段，M1）。M1階段學生主要特征為低工作成熟度與低心理成熟度，這部分學生尚不具備畢業論文撰寫所需的能力，同時在主動配合教師指導和畢業論文撰寫意愿方面觀念較為薄弱。第一，能力欠缺，這類學生在基礎理論知識儲備、數據的搜集與處理、科技論文寫作技巧、綜合素質方面可能有所偏失；第二，依賴心理強，這類學生容易將畢業論文責任與風險向指導老師轉移，出現問題時傾向于推諉教師；第三，存在短視投機隱患，少數學生可能會出現抄襲、數據造假、論文等學術不端傾向。（2）第二階段（初步成熟階段，M2）。M2階段的學生雖然不充分具備論文寫作所需的綜合能力，但他們飽有學習的熱情，愿意積極配合教師的指導工作，寫作意愿強烈。第一，獨立科研能力有待提升，由于未接受系統的科技論文寫作訓練，即便有一定學年論文、課程論文、實習報告等鍛煉機會，但反饋機制的缺失使得學生在論文寫作技巧方面尚不成熟；第二，缺乏學術自信，初次接觸規范論文寫作，加上參考文獻與指導教師的“學術光環”產生一定權威效應，使得學生對于接受指導與論文寫作較為拘謹；第三，學習熱情飽滿，愿意并主動向教師尋求幫助并付諸行動。（3）第三階段（比較成熟階段，M3）。學生M3階段初步具備論文寫作的知識、能力等要求，但自主學習與動手的意愿并不強烈。第一，理論基礎較好，這部分學生在本科四年學習中基礎課程與專業課程的學習基礎較好，理論功底較為扎實；第二，學習能力較強，這類學生通過四年的大學積累，接受課堂與教師的引導，加上自身學習經驗的調整與摸索，已經自發形成一套較優的個性化學習方法；第三，受非論文因素影響，這類學生雖然擁有較好的畢業設計自身能力與素質稟賦，但因考研、求職、公務員考試、實習等緣故，對畢業論文的重視程度并不夠。（4）第四階段（成熟階段，M4）。學生M4階段不僅具備一定畢業設計相關的學習能力、知識技能等，而且積極主動地配合教師的指導工作。一方面，具備一定獨立科研能力，這部分學生除知識儲備、學習能力、論文撰寫技能等方面自身條件較好外，甚至部分學生本科階段已經對外公開發表一定數量的學術論文；第二，對畢業設計的成果質量有一定要求，許多已經成功保送相關院校碩士研究生的學生希望通過畢業設計環節來奠定和適應未來研究工作，部分意向就業的優秀準畢業生也希望在畢業設計這一最后教學環節能有出色表現，對將來求職的理想工作崗位有所助益。

4權變式畢業論文學術水平提升模式的實現路徑

根據領導的生命周期理論，本文提出了四種可供選擇的畢業論文指導方式、據學生成熟度的不同所劃分的四種管理情境。如何將二者有機地加以匹配，即為不同的管理情境選擇相對應有效的指導方式，成為該理論應用中最后、也是最為關鍵的一環，由此形成的畢業論文學術水平提升模式如圖1的上、下部分匹配情況所示。

4.1模式一：對M1階段的學生采取命令型指導方式處于M1不成熟階段的學生，對于畢業設計任務既束手無策又不情愿，此時選取命令型（即高工作—低關系行為）指導方式最為有效。第一，提升學生論文意識，對這部分學生提升科研道德觀，以往屆不合格論文成果為案例，在指導初期打消學生短視投機的心理傾向；第二，確認角色與劃分任務，指導教師要以高工作行為來教導學生文獻的搜集與利用、文獻綜述的撰寫、開題報告的擬定、論文框架的起草與修改等，來彌補學生低工作成熟度的欠缺；第三，明確師生責任界限，指導教師需與學生確認各自的權限與責任范圍，對責任推諉與依賴行為事先預防和事后控制。

4.2模式二：對M2階段的學生采取說服型指導方式對于M2初步成熟階段的學生，他們缺乏能力但愿意執行畢業論文相關任務，此時應選取說服型指導方式（高工作—高關系行為）。教師應做好論文工作的劃分與確認工作，采取高工作行為，比如幫學生指定合適的研究計劃、研究方法的教導、劃分階段任務等；另外，適當情感激勵，對學生暫時的能力欠缺表示理解，教導其學習是一個持續的動態過程等，這種高關系行為的投入會增強學生對老師的信任感，并激勵其不斷學習與配合指導教師的工作。

4.3模式三：對M3階段的學生采取參與型指導方式針對M3較為成熟階段的學生，他們有能力，但對教師指導較為懈怠，任務完成較為拖沓與被動，這種情景下應選取參與型（低工作—高關系行為）論文指導方式。第一，提升論文意識，指導工作合理計劃，針對非論文因素，也要根據學生求職、考研、考公務員等時間因素，制定更合理的安排，以取得學生的配合；第二，榜樣激勵，選用歷年畢業設計成功案例，尤其是獲得優秀畢業論文的學生在求職、、考研等方面取得的優勢，使學生明確這樣做對自己的好處。

4.4模式四：對M4階段的學生采取授權型指導方式當學生位于M4成熟階段，他們既有能力又主動配合論文指導工作，實踐較為認真、主動、積極，教師應選擇授權型（低工作—低關系行為）論文指導方式。第一，在原則范圍內給予一定創新余地，對學生創作意愿的充分尊重也能極大地提升學生畢業設計的積極性與主動性；第二，前沿理論與方法的導入，如對M4成熟階段學生適當拔高要求，指導其開展一定基于前沿方法的研究；第三，榜樣與示范作用，指導教師不妨將這部分學生設置為團隊的小組長，將教師的指導理念轉化為學生立場的思想，更利于其他同學在其標桿示范作用下，理解教師的意圖。本文基于領導生命周期理論，根據工作行為與關系行為的高低組合界定了本科畢業論文指導中的四種典型指導方式，針對學生成熟度的不同劃分了四種不同的畢業論文指導情境，建立了四種行之有效的論文學術水平提升模式。值得一提的是，學生的成熟度并非一成不變，而是隨學生的學習狀況、主觀意識等內部因素，以及教師的思想教育、學校組織制度等外部環境因素的激發而發生變化的。因此，一方面，我們要加強對學生的指導與關愛，促使低成熟度的學生向更高階段成熟度方向轉化；另一方面，也要實事求是、因地制宜地根據學生狀態、管理情境的變化，適時調整指導戰略。

參考文獻：

[1]姜海濱，王嬋.領導生命周期理論視野下大學生干部管理能力培養探索[J].教育探索，2014（7）：87～88.

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2水墨藝術在平面設計中的創新

（1）廣告設計。

近年來，隨著消費水平的提高和人們對物質資料追求度的升溫，廣告業迅速發展，而水墨藝術也由此轉入廣告平面設計中，特別是廣告設計中的點、線、面得到了繼承與弘揚，推進了廣告平面設計的高速度發展。廣告最大的特色是時效性強、宣傳力度大、特色明顯。因此，在進行水墨藝術應用于平面廣告設計時，要突出以下幾點：1）簡潔。所謂簡潔，就是平面廣告要給人以耳目一新的感覺，透過平面設計的廣告，讓人在第一時間、第一眼或者通過它的外觀就能夠將寓意理解，便于科學消費等。2）線條要美觀。線條在平面設計中的表現力最強，這是因為平面和立體都可以通過線表達出來，線條形成符號的美感還在于它自身的豐富變化。因此，廣告平面設計必須突出線條的美觀性，以美觀統領線條布局，以美觀設計線條的位置，以美觀規劃線條的形態。3）水墨藝術在廣告設計中的應用，主體是點、線、面在設計中的綜合體現。點、線、面作為平面設計的基本元素與水墨元素等同的，根據點、線、面各自的特點，利用它們的各自的自然優勢和表現力，合理安排點線面的位置關系，并將其進行加工組合，就一定能夠創作出好的平面設計作品來。

（2）包裝設計。

水墨畫與包裝設計在原先是兩個相對獨立的藝術門類，隨著信息科技的發展，人們需求的提高，在當代設計中，兩者的發展越來越緊密，互相借鑒表現越來越多出現在大眾的面前。水墨元素在包裝設計中的應有：一是水墨元素作為包裝裝飾元素出現。通過對包裝中文字、標志、圖片的編排應用表現，要求我們設計師在包裝設計中要突出產品特色，符合廠家對生產產品的商品定位，更要突出設計的亮點。例如，對茶葉產品的包裝設計，如果只是簡單地用茶葉的圖片來裝飾產品包裝，恐怕很難達到好的包裝效果，更無法展現中國悠遠的茶道文化，往往會落入俗套，被眾多的茶葉包裝所掩蓋，無特色而言，這也是我國茶葉包裝市場上的通病，為了彌補這些不足之處，我們可以利用水墨元素的特點做藝術創作，選擇具有茶道特色的水墨畫來裝飾產品包裝，使包裝設計產生一種文化底蘊豐厚、意境悠遠的視覺感受。二是通過借鑒水墨畫的創作手法來體現產品包裝設計的特色。利用水墨畫“虛實相生”的水墨意境，通過對包裝設計中虛實關系的處理使得在包裝設計中產生虛實結合的強大變化效果。在包裝設計中，虛實設計體現在包裝的圖文表現上，著重體現的視覺元素可以加強虛實對比之間的關系，水墨畫中的留白手法可以很好地應用于虛實對比中，從而使包裝設計產生獨具特色的意境美。三是水墨元素應用要與產品風格相統一。在產品包裝設計中并不是所有的產品包裝都適合于水墨元素的設計手法，要考慮到產品本身的風格特點，如果產品包裝設計與產品本身風格差異較大時，會造成產品銷售的負面問題，不利于產品的長期發展。

（3）環境藝術設計中的平面設計。

在環境藝術設計中，平面構成也大量植入了水墨元素，有些環境藝術設計是在二次元空間內按照形式美的法則進行分解和組合的，種以分組與組合面而構成的形態，已經成為現代平面設計中創新的標志之一。在環境藝術平面設計中，室內設計在設計中體現水墨藝術，能夠較好的形成簡約之美，“計白當黑”“、虛實相生”的設計應用，能較好地體現寓意美的審美特征，但在環境藝術平面設計中，我們不僅要追求精神上的滿足性，重點還是要考慮功能的實用性，簡單的水墨畫作品、書法等，都可以給人們的室內空間平添文化藝術氣息。

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中體西用 “游于藝”（小標題）

藝術人生給康益開了一個不小的玩笑：青年時的他一心想學習油畫，誰承想步入大學，他卻被分到了國畫專業；而此后，喜歡人物畫的他又在研究生期間考入了山水畫班，“不過，這些陰差陽錯的經歷反而讓我形成了如今的繪畫風格。”康益說。顯然，如今的他對那段經歷已經釋然。

確實，如果沒有這樣豐富的經歷，我們也不會看到他如今囊括中西的繪畫風格。康益那種以西方技法為用、東方意境為體的繪畫形式，不僅吸引了東方的藏家關注，還備受西方藏家青睞，前不久，他的作品就受邀參加了英美等國的畫展及拍賣。

說到他獨特的綜合繪畫風格的形成，康益講述了另一段故事，“大學期間，我的作品和我導師段七丁先生的風格極為相像，以至于很多人都難以分辨。“這雖然是對我的褒獎，但同時我也感受到了這種沒有自我語言的路子對我創作的制約。所以，我決定換一換思路，顛覆我之前的風格。”康益告訴記者，那段經歷的比較痛苦的，藝術家想要之前的藝術形式，追求全新的語言是非常困難的，因為人最難改變的就是“習慣”。經過和“習慣”卓絕的斗爭之后，康益涅槃重生，展示了他豐富的創作手法和迸發的才情。如今的康益已然在處理綜合繪畫上游刃有余，在藝術的創作中借助東方的意境和西方的技法左右逢源，充分實踐了他的藝術信條——“游于藝”。

生活和創作 自由之“戰”（小標題）

很多觀看過康益作品的人，看到他畫面中的沉靜和古樸，一定會覺得他本人也許是文縐縐的，但了解他的人才知道，這份沉靜中還有一股子“野性”。如果要給康益的生活與創作找一個最恰當的字來形容，那也許就是“戰”——“戰”，就是矛盾與融合。

康益的生活中擁有著無處不在的“戰”：作為畫家，他在與世隔絕的田野中租賃了一間青磚瓦房作為工作室，潛心“修煉”；而作為越野愛好者，他又迷戀于駕駛越野車沖鋒在各種泥濘與陡峭之間。畫室中的裊裊余音與車廂里的隆隆之聲，畫筆上的筆歌墨舞與方向盤上的滂沱氣勢，無一不體現出一種矛盾的交鋒。

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2008年9月，80后畫家孫浩到798藝術區的珊和羽畫廊參觀一個畫展，開幕酒會備有蘋果酬賓，但沒人好意思吃。高大俊朗的孫浩抄起一個啃將起來，畫廊總裁張珊寧看得一樂，熱情爽朗的她也如法炮制，兩道清脆的咀嚼聲無邪地在端莊的會場里此起彼伏，兩個性情中人因此結緣。

孫浩正和他的朋友們籌備一場畫展。2008年金秋11月，國槐如傘，把“珊和羽”的紅磚小院映襯得分外雅致，“跨界――當代水墨七人聯展”吸引人們把目光投向寧靜多時的水墨畫壇，7位畫家用獨特的筆法、迥異的面目重新演繹傳統水墨畫，業界驚呼這是“放肆的水墨，大膽的跨界”。

參展的7位畫家，1980年生的孫浩最小，其余都是70后，青春無敵、朝氣逼人。他們都有著長期正統的中國畫訓練背景，曾經或正在攻讀中央美術學院國畫系的研究生，陰樹雨還是在讀的國畫博士。雖同屬科班出身，但都選擇了各不相同的水墨畫變革之路。

這七人的作品，烙上了鮮明的個性風采，或精致唯美、或直白放肆、或抽象深刻、或幽默俏皮。早在三年前，臺灣地產大享山藝術基金會董事長林明哲已斥重金收藏過其中孫浩、吳雪蓮的多幅作品。3年過去，這批年輕畫家在藝術上的突破，再一次讓林明哲驚嘆，臺灣山藝術基金會已著手為孫浩籌辦個展。而嘉德拍賣公司也緊鑼密鼓為七人舉辦專題拍賣會。

水墨圈的“螺彝者”

作為資深策展人，張珊寧毫不諱言自己“閱畫無數，都有些審美疲勞了”。但當2008年9月她第一次走進孫浩的工作室時，只覺得眼睛一亮，“那幅紅色的《粉絲》一下子抓住了我的視線。還有一幅《青》看到青花瓷色的人們在飛翔。雖閱畫無數，但我沒見過這樣的畫，給我一種挺撞擊的感覺。他從小學畫，基本功非常扎實，靈魂很干凈、高遠，畫法形式不拘泥。”

“我又從電腦里看了一下其他六人的畫作，各有震撼之處。他們從年初就開始籌劃七人聯展，也談過不少畫廊，孫浩對我感慨：沒想到在北京找家畫廊作中國畫展很難。規矩很多。有的畫廊對于畫作的市場價值要求苛刻，有的畫廊只愿接其中部分人的部分作品，不可能讓藝術家充分表達自己的想法，但孫浩他們堅持要七人聯展。而珊和羽的政策就是自由，給畫家自由生長的空間。于是我對他說：其他人的畫室我就不去了，畫我也不挑了，選擇什么樣的畫、以什么方式展出，你們自己定。”

在珊和羽畫廊亮相的聯展，七人都是完全不同的風格，形成鮮明對比。其中李颯和陰樹雨的作品位列同一展廳’李颯的《殘花圖卷》等，是仿山人、徐滑等傳統花鳥畫家的筆意和構圖，用現代的抽象符號重新演繹水墨經典，畫面抽象而充滿視覺張力：陰樹雨的《豆畦香滿過春期》等，在外行眼里無疑是最正統的技法，畫面具像，但空靈、清雅，有種說不出來的美。

湘潭小子譚軍，從中央美院研究生畢業，當過教員的他如今是自由畫家，2008年先后在京、滬舉辦過多場展覽，在先鋒畫家圈已頗具影響力。他展出的《執迷》、《逍遙》等畫作，似乎用老莊等中國古代哲學思索當今商業社會中人們的心靈出口。

眉目炯炯的杜小同是陜西關中大漢，展出畫作大都是變形的人像。評論界認為他近期作品一類是“枯木濃血式”，讓人聯想到蒼涼歲月、血祭，死亡等，有種直面干尸或凌遲的現場體驗，另一類是高士系列，似乎與他最近苦練古琴有關，靈魂悲苦，壓抑之中，表現出蕩氣回腸的堅韌力量和人性光芒。

杜小同1999年從中央美院國畫系水墨人物畫室本科畢業后，在煙臺魯東大學美術系數國畫。目前是中央美院中國畫學院的在讀研究生，導師唐勇力教授。雖然舉辦或參加過多次先鋒藝術展覽，“但我對于美協舉辦的畫展活動一次未參加過，既不引以為榮，也不引以為恥。”

七人中唯一的女性吳雪蓮，用絹、水墨、色粉筆、碳條等，勾勒出不同意境的人體，或變形的人體局部殘片，畫中一種緩慢的、如歌般的氣氛，讓讀畫人隨之放慢自己的節奏……

王劍的畫則幾乎全是灰、黑兩色，十分抽象，其《等邊三角形的堅決立場》可讓人浮想連翩，又似乎什么具體內容都沒有。他還通過拍攝馬路旁的水溝、廢墟的對角線，并把不同角度的幾何圖像疊加，營造“俯拍城市”的意境。畫配詩也是他的一大特色，但他寫的詩句也是半哲理半朦朧。抽象無比。

“我們七人都知道自己在做什么事，也大概知道別人在做什么，我們思路理得挺清的。西方當代藝術已經很多元化了，中國當代藝術的多元化還遠不夠。好比大街上突然跑過來一個裸奔的人。大家很驚詫，緊接著又跑過一個穿褲衩的，大家就感到沒什么了。我們這七人，就想做水墨畫壇上的裸奔者。通過我們的努力，或許能給其他人的摸索當個探路先鋒。”

閉關三年

孫浩是一個快樂的人，畫畫和踢球都是最愛，朋友眾多，沒心沒肺的程度，挺像古龍小說《歡樂英雄》中的郭大路。

他老家山東臨沂，是書圣王羲之、書法家顏真卿的故鄉，當地民風似乎也沾染了濃厚的水墨氣韻。其爺爺、姥爺、父親都酷愛書法并小有名氣，孫浩三歲開始握毛筆習字，自幼接受嚴格的國畫訓練，并順利獲得魯迅美術學院中國畫系人物畫專業本科學位。

魯美對于傳統十分尊崇，四年本科學習，使他對于傳統水墨畫的范式有了全面了解，畢業作品在全國首屆美術院校學生聯展中，成為國畫方面唯一的獲獎者。隨后他來到北京，成為中央美術學院中國畫系胡偉教授的材料與表現工作室研究生。

“胡偉教授是中國畫專業第一個博士，1988年公派留學日本東京藝術大學，其工作室主要對中國古代繪畫的材料和繪制過程深入考察研究。思路非常開闊，鼓勵學生創新。他對我的教學是點撥式的，順應我的個性、畫法和我的追求，在我探索繪畫的道路上，他是推動力，他把方向盤交到我自己的手里。”

2005年孫浩研究生畢業時參加了成都藝術雙年展。閉幕后去九寨溝游覽的車上，通過手機短信幾番來回，臺灣山藝術基金會最終以10萬元人民幣的價格收藏其參展作品《蔓延》，成為那屆參展新人最大的單筆交易。該基金會董事長林明哲是高雄地產第一人，上世紀80年代中期開始到大陸收購藝術品，對收藏投資有敏銳的判斷，林明哲斷定孫浩的作品將有很大的升值空間。山藝術基金會一口氣收藏了孫浩11件作品。當時對孫浩拋橄欖枝的，還有香港前特首董建華之妹董建平等收藏家。

當年的中央美院畢業作品展上，他的

作品也獲金獎。他到北京印刷學院謀得一份教職，教綜合材料藝術，課余像海綿吸水般讀書、作畫。“3年前我才25歲，作品還不很成熟。那次成都雙年展，突然給我一種社會身份，突然很多人知道我，給我提各種意見，圈子里都在說這事，對我評價似乎有點過高。浮躁之后，我靜下心來，這3年我未參加任何展覽，潛心看書、學習，理順思路，摸索應怎么往下走。”

“這3年，我看得多的是中國古代哲學書籍，《道德經》、《畫論》、《禪宗》、《周易》等什么都讀，從中尋找古人的智慧營養。比如中國古畫追求的意境就是一絕，同樣‘飛’的畫面，西方人畫翅膀，而敦煌畫的是飄帶。青花瓷、豆彩、畫像磚、墓室線刻等傳統藝術，都給我很多靈感。”

這段靜默期，孫浩印象最深刻的是去云崗石窟寫生的經歷。“石窟就在一條運煤大道的路旁，煤渣使佛像好似被風化，一下雨。灰黑色的水順雕塑往下流，那種模糊，那種流淌，使我突然明白什么叫天人合一。我悟到，什么叫創新?也許創新就在于創造一種新的視覺觀念，回來后我畫了《逆形》，找到一種特別的繪畫材料，可以順著人體的結構往下流淌。顯示出那控制與非控制間的感覺，進而延伸、來回流淌。”

“傳統水墨畫，表達了文人和士大夫階層對遁世生活的想象，崇尚自然、追求空靈的意境。而當代社會的現實是追求人改變自然，喧囂、熱鬧，我希望從新的角度來拓展水墨畫的表達空間，因為優秀的藝術作品除了挖掘人們美好的情感，還應該更多一些反思。有次我去一個地下酒吧看搖滾演唱會，眾多90后的孩子瘋狂得有些虛假地自我釋放。于是我聯想到超女、快男，聯想到被過度包裝的偶像、年輕人的盲崇，這是一種‘迷’文化，這種迷文化也體現在當代藝術圈里，有些畫家的作品市場好，售價高，其他人就跟風去模仿。在這種感悟下，我創作了《粉絲》這組作品，是對當代‘迷’文化的一種反諷。”

儒雅雙俠

一襲長衫、戴“五四”經典圓框眼鏡的李颯，挺像，說話語速快，笑容滿面，待人極友善。而適合中山裝的陰樹雨，安靜內斂、話少意賅。兩人雖然都有儒俠氣質，但李颯更像唐詩，樹雨則如宋詞。

他倆都住在望京，畫室都在著名的藝術營一索家村，只隔幾步路，日常哥倆最愛一起喝茶聊天。2005年同時獲得中央美院國畫系碩士學位，不過隨后李颯執教于北京服裝學院美術系至令陰樹雨2008年回中央美院讀中國畫博士。

與畫展同步推出的畫冊，李颯的專輯有一半篇幅是自己反思傳統繪畫的藝術論文，他讀書多動筆也勤，是七人中著名的理論家，七人畫冊的序言由他撰寫。他近年來在北京、重慶等多個城市舉辦個人畫展，今年參加了文化部、澳門藝術博物館等舉辦的多場展覽并倍受關注。其作品被浙江美術館、重慶美術館、澳門藝術博物館等收藏。

李颯自幼在父親的指導下，進行了嚴苛的傳統國畫訓練。“2002年我到中央美院國畫系學習時，遇到的最大問題是：臨摹了大量的中國傳統作品后，再創作時我發現，用傳統的繪畫語言來表達當下社會的生存經驗時，竟無以致用。中國的農業經濟處于停滯狀態，傳統水墨畫誕生于超級穩定的社會結構中，建立于逃避現實的態度上。避免激情是傳統文化首要特征之一。十九世紀下半葉以來，西方文化侵襲，使傳統文化一直處在很深的沒落‘焦慮’之中，王國維沉湖自殺就是典型例證。時至今日，傳統繪畫語言所代表的文化價值觀念。與現代人的生存感受之間，表現出來的更多是沖撞、抵觸和對峙。”

于是，李颯開始了水墨畫的變革之路，“我已經摸索了五六年，有過痛苦的陣痛期。在導師胡偉的材料工作室。我接觸了很多新材料，把西方的抽象藝術融入水墨畫的創作中。”

他的實驗最先得到了一個美國畫商的認可。她叫簡黎明，租借北京地壇的明代大殿，開抽象藝術畫廊。她到李颯的工作室看畫，站在《從灰色過渡過灰色》這幅畫前良久，然后嚴肅地說：“你認為人有時是邪惡的么?我在你的畫上看到了許多幅面孔。”

李颯的這幅畫，借用中國傳統花鳥畫的構圖，用抽象的符號表現一種相互纏繞、相互掙扎的感覺。溫和的美國人簡黎明從一個個抽象的符號中看到了無數的人臉。

2006年，簡與李颯簽下兩年之約。期間在北京藝術博覽會上，希爾頓酒店以5.2萬美元買下李颯一幅大畫。“簡是很棒的藝術鑒賞家，挑畫眼光一流，不過她對簽約畫家的管理也是十分嚴格，把我們的作品定價都較高，這兩年有很多人想找我要畫，但我與畫廊簽了約，不能私自給。今年解約后，我沒有急于直接邁向市場，而是先整理自己，把努力的方向認真想清楚再說。”

陰樹雨的學院氣息更濃厚，是青年畫家中“學院水墨”的代表人物之一。本科就讀于杭州中國美術學院，那里秉持潘天壽的中西“拉開距離”之說。希望推陳出新創出“中國氣派”；碩士、博士北上到中央美術學院，這里的國畫系始終堅持著由徐悲鴻創立，并經蔣兆和、李可染、葉淺予等不斷完善而成熟的中國畫教學體系，承認傳統，強調中西畫法有機結合，注重對現實生活的表達。

經受南北兩大最高國畫藝術院校洗禮的陰樹雨。師從著名寫意花鳥畫家張立辰教授，選擇了新派寫意花鳥作為終生筆耕之路，作品卻透露著江南文人畫特有的靈性和秀氣，鮮活生動。他喜歡下鄉，常帶干糧住草棚、爬山越嶺。帶著畫夾和相機，搜尋山花野草和飛禽走獸，自得其樂。

陰樹雨說，“傳統樣式的中國書畫一直有自己的發展，從未間斷過。比如同樣畫墨竹，蒙古人統治的元代與資本主義萌芽的明代，作品就有很大差異。再比如20世紀的藝術巨匠潘天壽，他所面臨的社會變革也是很大的，他仍然堅持了傳統樣式，并找著了自己的路子。現在也是一個變革時代，如果我們認準了道路堅持下去，應該也能有自己的收獲。”

七人聯展中，陰樹雨的畫最受普通觀眾青睞。作為國畫博士，已可預見其未來的教授身份。“不管什么頭銜，將來我會堅持畫畫。我不排斥體制內身份，它給藝術家一個名份，讓我們能夠生存、豐衣足食，否則會喪失很多機會。”他的妻子也是藝術圈內人，“她作陶瓷小雕塑，比較抒情。”抒情也是陰樹雨面作的真實寫照。

小師妹

小師妹吳雪蓮，準80后，斯文內秀，與孫浩、李颯是研究生同班同學，導師都是胡偉。“我不太會用語言表達感受，想知道我作畫的感受，看我的畫就好了。一般人看我的畫，理解應該不會很困難。至于你問我為什么要這樣畫，我自己也不知道，就是憑感覺。”

吳雪蓮也是自幼習國畫，父親是湖北一中專繪畫老師，兄妹二人，哥哥學美術史。她本科在中央民族大學學工筆國畫。成為胡偉的研究生后，在新材料使用和抽象畫之路開始了大膽探索，目前在北京信息科技大學教設計課。

吳雪蓮對導師胡偉充滿感激，“很多人認為讀繪畫專業研究生，會約束創作天才。似乎進了工作室，就會規范自己的思路。不少工作室確實存在這個問題，但對我來

說，是考對了老師，進對了工作室。胡老師對我們的要求是直接畫畫就好，標準很抽象，創作過程中一般他不會提具體要求。只在中途如果他看到發展方向不太好，可能會點撥一下。他對條條框框、對于選用或不用什么材料，要求不是那么嚴格。對于我的作品風格，他看后只說比較喜歡，更多的評語，他就沒有了。”

吳雪蓮這些年在畫壇也成績不俗：2004年她用皮紙、銀箔創作的六條屏《唯?一》，獲第十屆全國美術作品優秀獎：2005年參加成都藝術雙年展，作品也被臺灣山藝術基金會收藏；近兩年在武漢、深圳辦個展頗獲好評。

燕山隱士

王劍是七人畫冊的主編，如今住在北京門頭溝山區的一個小院里，置身雄渾的燕山山脈，他感到無比舒暢。“我搬來快一年了，每天出門就看山，我喜歡大山里的石頭，這么多起伏變化，經億萬年形成恒久不變的姿態，我與山、石交流起來非常地舒服。”

王劍老家河北邯鄲，“父親在鐵路上搞工會工作，當年中央美院很多畫家下放到那里，父親就跟著他們學畫，也讓我學。我爸管我特別嚴，每天畫大量寫生。但我文化課不好，16歲當了鐵路工人，從火車蒸汽機的司爐到機務段的清潔工等都做過，一做就是8年，當門衛時，我看著單位人變老，于是想一生不能虛度，然后到北京讀書，然后做過雜志社美編、圖書公司的美術總監，也給電視臺拍過紀錄片。這中間還經歷了一次失敗的婚姻，現在我身為自由藝術家，住到山里，真正回到自然，我感覺自己目前的狀態最好。”

王劍與杜小同、李颯是十多年的好朋友，以前一起作水墨畫方面的展覽。4年前，他的傳統國畫作品《趙氏孤兒》入選第十屆全國美術作品展。后來，他也轉向水墨畫的變革。

在王劍眼里，“傳統文化給我們土的印象，而現代都市是硬的。雖然我的作品表現得很抽象，但我內在的東西與傳統很近，最主要的體驗是人與自然的關系。我住到山里后，對人與自然的關系了解更深入，我希望用一種全新的方式來詮釋水墨意象。”

七劍合璧　和而不同

這七人，共性是都接受過最正統中國畫的教育，目前在畫壇都取得了不俗的成績。其中五人是中央美院國畫院研究生同一屆同學，平日經常聯席縱酒、評文弄墨，好不快意!

七人聯展最初發起者是王劍、譚軍和李颯。2008年初，他們仨在北京CBD(中央商務區)的一家麥當勞餐廳碰頭，計劃一起辦畫展，并出畫冊。當年3月，參展人數擴展為7人，“我們都是中央美院的同班同學或師兄弟，除了私交篤厚，更主要是在水墨畫的追求上志同道合。”

“第一次全體籌備會在譚軍家，我們決定給七人小團體起個別致的、中國化的名字。譚軍家門牌號303，于是決定叫‘三――三’(音為‘三杠三’)。‘三’與老莊關系密切，《道德經》有云‘一生二，二生三，三生萬物’；‘三’還是《易經》的乾卦，男為陽，六個男生是六個實杠，女為陰，一個女生用虛杠表示。合起來‘三――三’很像《易經》第九卦之‘小畜卦’，說的是‘城西邊有雨，還只是一個雨人，正在積蓄力量，馬上就要來下雨’。這種描述與我們七人的現狀很巧合”，28歲的孫浩很認真地向記者解釋七人團體名字的來由，里面包含了他研習中國傳統哲學的心得。

李颯說：“眼下辦一場畫展，包括出畫冊等在內，開支少說得二三十萬元。這些年我們的精力不在賣畫掙錢上，為了自由表達藝術思想，我們沒找投資人。這次辦展、出畫冊，建專題網站，都是自費。當代藝術市場上，油畫比較占優勢，中國當代水墨畫還沒確定市場。我們也不懂市場，我們有的只是信心，對于作品的自信!”

篇（6）

中圖分類號:J206.3文獻標識碼:A

On the Application of Colors in Traditional Chinese Painting

LI Jun

(College of Fine Arts, Shaoxing University, Shaoxing, Zhejiang, 312000)

綜觀東西方繪畫的源頭,無論是從“舊石器時代”晚期法國和西班牙先民創造的原始洞窟壁畫藝術還是遍布中國大江南北的原始巖畫看,色彩在繪畫中的應用年代最早可以推至四至兩萬年之間① 。但從色彩使用的理念上一開始就已經凸顯出東西方繪畫的分野,以阿爾塔米拉洞窟《受傷的野牛》為例,先民們以有限的色彩(紅、黃、褐、黑等)進行明暗暈染,使其作品具有體積感和氣運感②。而從中國云南、廣西等地現存的大量原始巖畫看出,東方的先民們也是用同樣有限的色彩描繪大自然和他們的生活,但是使用色彩的理念和方法卻大相徑庭,他們將色彩在巖壁上或平涂或勾線,以符號化的方式塑造形體,以簡潔、流暢的語言記錄生活或表達美好理想。但是原始巖、壁畫,受自然條件和審美理念所限,色彩的開掘和使用也僅僅是個端倪。

真正意義上的繪畫自從人類進入封建社會到今天的輝煌已經走過了五千年的歷史,在這個漫長的過程中,色彩的產生和使用,以及它在繪畫的每個階段中所具有的特殊使命卻不僅相同。相比較西方繪畫(特別是文藝復興以后),不了解中國繪畫哲學的人對中國繪畫色彩的使用有“不科學”的嫌疑,孰不知中西繪畫在最原始理念上造就存在根本的區別,所以色彩在繪畫中的使命也就有了根本的不同。但是存在這樣一個事實:中國先民在數千年的藝術長河中,在追求審美理想的同時已經完善了具有東方文化特色的色彩體系,有整套非常嚴謹的制色和用色方法,正因為有了這一嚴謹和科學的色彩體系,才給我們留下的非常燦爛的文化遺產。像敦煌石窟、永樂宮壁畫藝術和難以計數的優秀的卷軸畫藝術和民間繪畫藝術像璀璨的明珠閃爍在世界藝林當中。

繪畫進入文人畫時代后,有關于傳統“色彩學”的文化遺產在以“水墨”為主流的畫壇中出現了嚴重的“丟失”現象。我們在欣賞古代繪畫優秀名作的同時,談到傳統繪畫的色彩和相關材料的使用方法時,很少有人敢于問津。更讓人扼腕痛惜的是,我們所丟失的文化遺產在日本國完全能找到答案③。中國繪畫傳統顏料的制作技術與使用方法隨著大量漢文化的輸入已經轉換成了日本的傳統文化,并且得到了長足的發展。眼下國人所使用的借鑒國外經驗生產的錫管顏料雖說方便,那也只不過是比較粗制的代用品而已,顏料本身的品質與傳統相比,相去甚遠。國人對繪畫程序的簡單化,更是讓人擔憂。我們給后代留下什么樣的藝術遺產,從繪畫材料的角度分析,能經久多遠,應該是到了引起中國繪畫界廣泛關注和深思的時候了。

一、傳統色彩在中國繪畫中的地位變遷

從視覺的角度觀察,自然界的外表是由多種復雜的色彩構成的。自然界中的色彩本身對人的感官有特殊的刺激作用,這種作用充分表現在人對色彩的一種情感偏好,反過來又形成人的聯想,這就是人類對自然色彩的美感體驗。中國繪畫中的色彩使用受傳統“太極”學說中“五行”和“陰陽”思維的影響,從而產生具有東方民族特征的用色理念。“中國五行學說中就有青為木,赤為火,黃為土,白為金,黑為水之說;在運用墨色時又有濃、淡、焦、濕、干之說,這些都體現出五行學說與中國畫發展的直接關聯,并以此影響了中國畫家對色彩的認識,形成‘五色’觀念。”④ 王微在《敘畫》中的“綠林揚風,白水激澗”,就是通過對自然中的“綠”和“白”的體驗而產生的主題意境。新石器時代的彩陶藝術和巖畫藝術是人類在勞動過程當中創造的第一批藝術作品。拋開它的造型,就裝飾效果而言,色彩的地位是至高無上的。由于生產力的低下,人們只能就地取材,用紅色鐵礦土、白色堊土、黃色泥土和黑色木炭等“顏料”在彩陶上和巖壁上描繪他們對大自然的體驗,同時表達他們樸素的愛美情結。

真正談到具有繪畫意義的色彩,要推到漢唐以后了,從考古發掘的河南洛陽西漢墓室壁畫《鴻門宴》、河北密縣東漢壁畫《百戲飲宴圖》和長沙馬王堆出土的西漢墓室帛畫中可以分析出除以上色彩以外還有紫色、赭石、綠色、藍色等,色彩品種增多,質量也有所提高,并且膠礬粘和的技法也已形成。專家在考察西漢墓室“T”形帛畫的用色時發現:“顏色錯綜調配,所用主要是朱砂、石青、石綠、白粉等礦物顏料,其中也有植物顏料……,色調搭配上,無不經過匠心設計。最突出的是顏色的間隔使用。”⑤帛畫在色彩應用上主要以平涂為主,間有不同深淺的同類色,并且開始用比較豐富和厚重的色彩表達一定的主題。從而可以得知繪畫顏料的研制和使用在漢代已經奠定了堅實的基礎。

漢以后隨著佛教的傳入,在新疆克孜爾、甘肅敦煌、天水麥積山等地興盛佛教壁畫,伴隨著佛教的傳入,境外佛教繪畫藝術和制色工藝也隨之傳入,促使中國繪畫色彩從研制到使用進入了空前輝煌時期,加上本土工匠的智慧,極大的豐富了中國繪畫的色彩表現空間。南、北朝時期,在壁畫中以石青、石綠為主要色彩,同時以胭脂、靛藍、草綠等植物色作為輔助色彩。所以,整個畫面表現出濃郁的冷色調。隋唐時期的壁畫色彩種類較多,表現技法靈活多變,色彩的應用在佛教壁畫中進入了全盛階段。另一方面從發掘的唐代墓室壁畫的資料中分析,除了石青、石綠、赭石等礦物色外,朱砂、石黃也已出現,而且在應用當中出現間色和色彩的深淺變化,還有暈染、渲染等染色技法。

唐代張彥遠在《歷代名畫記》中描述了多種顏色的名稱及產地:“武陵水井之丹,磨磋之砂,超之空青,蔚之會青,武昌之扁青,蜀郡之鉛華,始興之解錫,研、澄汰、深淺、輕重、精,林邑昆侖之黃,南海之鉚……煎并為重彩,郁而用之。”著名畫家劉凌滄先生對此有這樣的描述“……從純色的品種論之,也不過九種,但由于畫家的技術精進,各色互相配合,出現了‘間色’、‘復色’和‘鄰接色’,色彩的情調豐富起來了。現存的作品如張萱的《搗練圖》、《虢國夫人游春圖》(宋趙佶臨摹)莫不絢麗多彩、明快協調,呈現出綺麗的風姿”⑥。除此之外,從現存唐代閻立本的《步輦圖》、五代顧閎中的《韓熙載夜宴圖》、宋代趙佶的《芙蓉錦雞圖》、王希孟的《千里江山圖》以及大量的宋人花鳥畫等重彩畫作品中可以看出,雖然中國繪畫以勾線染墨為基礎,但是色彩在繪畫中的地位是至高無上的。明代的楊慎在論及中國繪畫的顏料類別和施色方法時說“色彩有七十二種之多。”五代畫家荊浩說:“紅間黃,秋葉墮。紅間綠,花簇簇。青間紫,不如死。粉籠黃,勝增光。”關于色彩在繪畫實踐過程當中的審美體驗,在隋唐、五代已形成比較樸素的共識。

由此可見,剔除或弱化色彩的唐代繪畫,將是無法想象。唐、宋應用色彩在繪畫中取得的成就在美術史上可以稱得上非常壯麗的藝術篇章。謝赫在“六法論”中提出的“應物象形,隨類賦彩”在唐宋繪畫中得到了具體的貫徹。

在以宮廷和民間畫工用色彩體現絢爛的唐宋繪畫達到盛極的同時,另外一個以水墨為基本語言的士人繪畫階層已經醞釀成型。詩人王維將詩意融入繪畫,提升了繪畫的審美層次,同時也引發了新的畫派的產生。自宋元起,大量士人參與繪畫創作,使中國繪畫面貌發生很大變化。士人的參與,使繪畫不再具有“成教化,助人倫”的社會功能,同時也不再充當統治階級用來粉飾太平的工具,而是畫家借繪畫中的物態來達到“抒情言志”的目的。在這個轉型過程中,文人畫家為了方便于“抒情達意”,往往簡化傳統繪畫的“煩瑣”程序,從繪畫理念到工具材料的選用,再到作畫方法等,都以方便于“寫意”為前提。其中,遭到重創的是中國繪畫的色彩體系,文人對色彩的偏見,受老莊“色能亂性”、“五色令人目盲”等學說的影響,所以選擇水墨體系將是最恰當的選擇。文人畫在元、明、清三代占據中國繪畫的主流,從藝術發展的潮流來看,文人畫在繼承傳統繪畫精髓的基礎上,融詩詞、書法、金石于一體,在世界藝林當中創造了中華民族獨特的審美形式。但是過分地關注水墨、貶低繪畫的其他形式,導致重在色彩表現的宮廷繪畫、民間繪畫逐漸邊緣化,傳統的制色工藝和獨特、嚴謹的作畫方法經過幾百年的衰變,現已幾乎完全失傳。

在文人畫盛行的元、明兩代,民間工匠為中國繪畫做出的最大貢獻要數建于元泰定二年(1325年)的山西永樂宮道觀壁畫和建于明正統四年(1439年)的北京西郊法海寺佛教壁畫。如果說敦煌莫高窟壁畫融會了西亞健陀邏藝術的風格形成了自己的色彩體系,那么,永樂宮、法海寺壁畫則應該算是純粹的“中國式”壁畫藝術,其色彩的使用完全遵循中國的繪畫范式。永樂宮壁畫采用重墨勾線,重彩厚填法,合理使用多種天然礦物質顏料,并且創造性地使用了“堆金立粉”、“雕金”、“撥金”等技法,既使畫面整肅大氣,又盡顯繪畫材質本身的美感。法海寺壁畫相比較永樂宮更加精致富麗,采用勾填與勾勒相結合、厚涂與薄染相結合的方法,繪制工整細膩的程度堪稱民間工筆重彩畫的最佳代表。

二、中國傳統繪畫色彩學研究的迷茫與東瀛繪畫材料學研究的繁盛

中國繪畫色彩的研究在整個清代處于一種停止狀態,繪畫色彩的使用范圍主要集中在民間寺廟道觀的壁畫和建筑裝飾當中。以后,資本主義萌芽開始在我國東部沿海城市出現,伴隨著國門的打開,國外的繪畫材料不斷輸入市場。進口顏料相比較我國的傳統顏料,由于使用了合成色技術,所以色彩的種類比較多,同時也方便使用。但是進口顏料或其他錫管顏料只能是一種代用品,除了方便使用以外,其品質與傳統顏料相比相去甚遠。中國傳統顏料主要以石青、石綠、朱砂為主,這些顏料品質優秀、在各種環境之下都能保持其本色,穩定性極強。傳統色彩在繪畫中的地位是有目共睹的,但由于取材于天然礦藏,原材料的采集量十分有限,加工廠家的成本高,產量低,另外價格極其昂貴,所以導致絕大部分畫家很少問津這個領域。另外,傳統礦物質顏料在使用過程中必須要有一定的成熟經驗和嚴密程序,比如膠礬的使用、支持體的制作以及與植物色的結合等等,實際上是一個非常完整的系統的工程,這個工程的“煩瑣”讓一般畫家望而卻步。當然還有一個不可忽視的原因是畫家對傳統顏料的概念沒有足夠的認識。致使傳統繪畫的色彩沒落到幾乎無人知曉的極點。

“日本繪畫是在通過朝鮮半島傳入日本的中國北魏佛教帶進的大量其它中國文化受其影響而形成的,在相當長的一段時間里,以莊重、協和美為特色的追求也就構成了日本繪畫無形中的理論核心。”⑦ 日本早年的繪畫與中國沒有太大區別,因為日本在晉唐時期的文化交流中完全繼承了中國繪畫的傳統。在繪畫原材料的使用上與中國毫無差別,而且像石青、石綠、朱砂等的產地仍然在中國,甚至連名稱都沒改變。他們非常重視研究和保護中國傳統繪畫的色彩學體系以及程式化的使用技法。在中國水墨畫興盛的很長一段時期,他們對傳統顏料的加工制作和繪畫技巧的研究方面一刻也沒有停止過,并且有了長足的改進和發展。

相比較中國,日本的顏料礦藏相當匱乏,但是為了保持傳統繪畫使用粉狀顏料調膠的特色不變,他們在向世界各地尋找礦藏之外,用高溫結晶的辦法產生與天然礦物質顏料相類似的代用品,其品質高貴,而且品種多達百十種,這是對傳統繪畫顏料的極大補充。

另外,箔產品的研發、支持體構造的不斷改進、黏合劑的合理使用等因素單從繪畫的制作方面保證了作品中色彩品質的充分展示。近年來,中國繪畫界的有志之士,從理論研究的角度出發,開始思考這個問題,試圖在流失多年的傳統繪畫的色彩方面重新打開一個門戶,雖然起步較晚,也沒有真正找到研究的方法和途徑。但只要我們面對現實,不恥于向他國學習和民間學習,中國繪畫傳統色彩定會重放光彩。

三、解析繪畫顏料的制作傳統,拓展適合現代繪畫的色彩空間

在當今畫壇中有關于中國傳統繪畫色彩的研究尚處于十分薄弱的初級階段,早在20世紀五、六十年代,中央美術學院王定理先生結合自己幾十年的考察、調研、教學和實踐經驗,參考古代畫論中的對中國繪畫用色的相關述論,編寫過一冊《中國畫顏色的運用與制作》,對后期的同類研究,具有一定的指導意義。今天要談色彩的開拓與發展,有必要對傳統顏料的礦藏分布、制色方法及使用程式法則做簡單的探究:

1、石色

據分布在我國北方的大量石窟壁畫和道觀壁畫資料分析,天然礦物色的使用十分廣泛,既然天然石色如此名貴,何以大量使用在古代繪畫當中呢?原因是在古代,繪畫充當了宗教崇拜和理想寄托的最佳載體,它以最直觀的圖式承載了人類的最高精神境界與追求。繪畫(特別是宗教壁畫)在人們心目中具有不可替代的神圣地位。其次,古代繪畫(特別是宗教壁畫)的設計制作屬公眾行為,它的投入由政府、公眾、有錢的紳士來解決,所以保證了繪畫的材料投入。官宦人家墓室帛、壁畫的資金投入自不必說。另外,石青、石綠等原材料來源于銅礦石,古代的冶銅技術均以小規模的手工為主,而石青、石綠原材料本身是一種非常純凈誘人的結晶體,所以在開礦、冶煉的過程中很容易分離出(現在的工業開采與現代化的冶煉技術則很容易將這些“寶貝”一同送入煉爐,加上無人識貨,更無人“操此閑心”)。對這些名貴石色礦藏,王定理先生五十年代作過調研。朱砂,主要分布在我國云南、湖南、湖北、四川、貴州、甘肅等省,除了繪畫使用之外,一般作為藥用,所以中藥店能購到此物。石青、石綠在大小銅礦中均有所藏,在國內主要分布在廣東陽春和湖北大冶等,但是礦藏的不同,其品質也有高低之別。

所有石色均有一套細致的研漂方法,其中朱砂色的制作,首先用“淘”的方法除去原料中的雜質;其次用“澄”的方法將研細的原料加入膠水進行一定時間的沉淀,顏料中較輕者浮于上面,較重者沉于下面;在用“飛”的方法將浮在上面較輕的顏料離出⑧ ;如果使顏料更純凈,則講下沉的顏料加水加膠,攪動后,再沉淀,再離出上浮顏料,如此反復幾次,可以將朱砂分為頭朱、二朱、三朱,最輕、且偏暖的顏料則是朱膘。石青、石綠的研制方法與朱砂類似,首先是將原材料除去雜質,然后置入乳缽(現在有小型球蘑機)進行研磨,待研成粉末,且色度變淺時再加水研磨,等到沒有明顯的顆粒時再加入膠水研磨,最后用“漂”的辦法,加入膠水攪動,沉淀,將浮色離出,再攪動沉淀部分,再離出上浮部分,如此反復幾次,可產生頭青、二青、三青,頭綠、二綠、三綠。其他如赭石、石黃等顏料的制法亦如此。

2、水色

所謂水色,既是透明度比較高,大多以植物的花、葉或以某些植物體液為原料。傳統的水色有胭脂、花青、藤黃等色。胭脂除了繪畫之外,是古代婦女化裝用的一種顏料,取材于紅藍花、紫梗和茜草的汁液熬制而成,胭脂色沉穩且有喜慶氣。花青在繪畫中的應用較廣,取材于專門生產靛藍的一種植物,西南少數民族仍用發酵法獲取靛藍,沉淀后加少許膠便成花青,色澤沉穩耐看,包括以水墨為主的文人畫家也喜用此色。藤黃是一種有微毒的中藥,國內原料大約產自我國的西南邊陲,是一種熱帶落葉喬木由樹皮鑿孔,取其黃汁,待干透后變成晶體,用水研磨即可使用,其色澤亮麗,透明度較高。

3、金、銀箔

金、銀箔富麗堂皇的品質,受到古代畫家的青睞,被廣泛應用于人物寫真的服飾等方面。金、銀箔是用真金銀加工錘成,現在的工藝將此設計為十公分見方的箔片,每一百張為一具,按十具為一包計算單位。古代畫家除了人物服飾以外,還用于工筆重彩畫的打底之用,近代畫家任伯年在繪畫中多用此法。金箔的種類按品相和色澤分為紫赤金、庫金、大赤金、田赤金等。銀箔較金箔價值低廉,但很容易被氧化,最終變為黑色,但在氧化的過程中,會產生非常美麗的色彩,巧妙使用,妥善固定,可以在畫面上產生奇妙的效果。

目前,我國的金銀箔生產廠家僅江蘇南京一家而已,生產的種類也僅有金、銀、銅、鋁、錫等數種,而箔的使用范圍則主要集中在寺院、道觀的塑像貼面和民族建筑的裝飾方面。繪畫當中的使用則少之又少。而日本則在繼承我國箔技術的基礎上,已經將種類拓展到幾十種被廣泛應用于繪畫當中。

近年來,中國繪畫界在色彩的拓展方面開始進入了實驗階段,實驗階段的“巖彩畫”雖不算成熟,還完全沒有恢復到民族特色上面,但已經開始在繪畫中嘗試箔等多種材料的介入。箔的使用方法主要有貼金和泥金兩種,貼金就是用專用箔夾將金、銀箔用膠礬水粘貼在所需之處,可以整張貼,也可以根據位置的大小將箔裁剪后再貼。泥金是將金箔用加膠研磨的辦法制成粉末,再調膠當顏料使用,古代的金碧山水畫和工筆人物的服飾等也常常在關鍵的地方用泥金做最后的勾勒,起到了在華麗的基礎上更加富貴的目的。近現代的花鳥畫家也用泥金可以勾描富有裝飾味的花卉翎毛。

4、蛤粉及膠礬

蛤粉及膠礬的正確使用有利于礦物質顏料及其它材料充分發揮其材質本身的魅力。蛤粉(日本稱胡粉)是一種在海灘風化多年的蛤蚌殼經研磨后制成的白色粉末(現代制粉方法簡單,將新蛤蚌殼埋于地下,若干年后取出,亦可研磨),經過加膠特殊調制后,成為繪畫打底用的良好材料,亦可當白色使用,其特點是細膩、潔白,永不褪色,附著力強。除了水墨畫之外的所有繪畫,都離不開膠礬的使用,它的作用是將所有顏料和其他材料牢固的黏附在畫面上。正確的使用,可以充分體現材質本身艷麗明快的特色,反之,損傷材料的本質,使之黯然無光。唐代張彥遠在《歷代名畫記》中對膠的產地和種類有一段記載:“云中之鹿膠,吳中之膠,東阿之牛膠,取其精華,接而用之,百年傳致之膠,十年不剝。”日本繪畫用膠特別講究,膠的品質優于我國。在我國工業明膠和食用明膠均可用于作畫。明礬或稱白礬,是半透明的晶體,味澀,易溶于水,盛產于安徽蘆江。膠礬按一定的比例和方法調制成溶液,廣泛使用于將生紙、絹礬熟、,打底,固色等作畫過程當中。

中國畫傳統顏料的研制和使用方法并非以上言論所能涵蓋,在傳統繪畫中還有很多未曾經傳記載的大量的民間土制顏料和難于用文字表述的多種繪畫技巧。這是本領域研究的富藏區,如果色彩的研究廣泛涉獵民間這個領域,對于延續我國傳統文化,開拓新的色彩前景將有非常重要的意義。

古典畫論中有關于色彩的描述語言生澀且缺乏嚴密的系統性,建立一個比較完整的中國繪畫的色彩體系,必須對傳統文獻做一系統的梳理,在繼承傳統的基礎上,努力開拓更加廣泛的繪畫色彩領域。國內部分高等學校將包括顏料在內的繪畫材料為新的課題進行積極的研究探索,部分像江蘇姜思序等傳統顏料工廠根據時代的發展,努力拓寬視野,借鑒國外的先進經驗,其產品逐漸得到相關畫家們的贊譽,從他們的成就中我們已經體驗到中國繪畫顏料從傳統的延續到未來發展的曙光。

“隨類賦彩”的概念是中西繪畫使用色彩的根本區,中國繪畫中每種色彩的使用都是一種情感的投入,色彩本身的品質將直接關系到作者的意境的表達和作品的審美情趣。所以重視研究傳統色彩在繪畫中的應用將具有十分重要的意義。(責任編輯:楚小慶)

① 李浴《西方美術史綱》,遼寧美術出版社,1984年版,第3頁。

② 李浴《西方美術史綱》,遼寧美術出版社,1984年版,第6頁。

③ 胡偉《繪畫材料的表現藝術》,黑龍江人民美術出版社,2003年版,第10頁。

④ 范瑞華《中國畫向何處去》,國際文化出版公司,2002年版,第27頁。

⑤ 《西漢帛畫》,文物出版社,1972年版,第3頁。

⑥ 王定理《中國畫顏色的運用與制作》,臺北:藝術家出版社,1993年版,第7頁。

⑦ 梅忠智《20世紀花鳥畫藝術論文集》,重慶出版社,2001年版,第481頁。

⑧ 王定理《中國畫顏色的運用與制作》,臺北:藝術家出版社,1993年版,第105頁。